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Último Cuerpo. Carlos Daniel Malavé. Venezuela. 2011

2011-05-20T14:30:00.000-07:00

Último Cuerpo.

O Hay que votar la basura en su lugar.

Por: Daniel Dannery.

En la sala, unas 50 personas. El aire, bastante frío. Una única publicidad del ya desgastado Spot Digital (Me impresiona, ¿Sólo una? Si ya estoy acostumbrado a ver media hora de comerciales mal hechos, como ese terrible de “La escuela de cine”, nefasto.). Debe ser porque estoy entrando a la función de las 5:30pm. Debe ser.

Luego, un trailer mal proyectado de “Beyond a reasonable doubt” (En español: Más allá de la duda) el remake del clásico de Fritz Lang, un bodrio que tuve la oportunidad de ver en la comodidad de mi casa, aunque la original tampoco es que me guste mucho. El sonido a todo volumen, como si nos prepararan para escuchar unos de los mejores diseños sonoros elaborados en Venezuela, luego oiremos que es una mentira.

Finalmente el festival de Trailers de los nuevos estrenos del cine nacional. El primero: “Días de poder” lo nuevo de Roman Chalbaud, de seguro otro producto panfletario criticando los 40 años antes y alabando los ya 14 que hemos pasado bajo el mandato del comandante en jefe, de seguro no, será así. El segundo: “Reverón”, una película que me provoca ver; tanto por el personaje central del que tanto se habla en los pasillos del arte en general, pero el cual se tenía olvidado, así como olvidamos cualquier cosa, como por su protagonista: el actor Luigi Sciamanna, uno de esos pocos que se toma el método en serio, nuestro propio Jhonny Deep, me gusta verlo de esa manera.

Es justicia poética la que hace Rísquez con "Reverón", pues desde la tragedia del 99 en Vargas, el castillete sigue bajo las ruinas, y el estado nada que alza la voz para recuperar la que para nosotros debería ser un patrimonio cultural.

Impresiona la voz del narrador que dicta: “Una Película de Diego Rísquez” a mí la verdad eso me causa gracia, pues ni en el nuevo crimen de Chalbaud hacen alarde tan pedante. Un coro en sotiboche exclama ¿Y ese quién es?, en fin, cosas del ego.

El tercero y último. El bocadillo de lo que será en salas comerciales nacionales el primer intento por enseñarle a nuestro público que los Cortometrajes también son películas. Este fin de semana corroboraremos que tal le ha ido al experimento.

Las luces se van apagando. El anuncio propio de la cadena prepara nuestros sentidos para comenzar a disfrutar de la película. Nos recuerdan que debemos quedarnos callados, por aquello de no incomodar a quienes están sentados a nuestro lado. Que debemos apagar nuestros celulares, por aquello de no incomodar a quienes están sentado a nuestro lado, y que botemos la basura en su lugar, no debajo del asiento, ni sobre el asiento, ni mucho menos arrojársela al de al lado, pues la basura va en la papelera, como mandan las leyes de cualquier sociedad que se precie de ser educada y cívica. Finalmente descubriremos al finalizar la proyección, que éste anuncio no sirve de nada. Males de nuestra sociedad, es que algunos hacen las cosas a su manera. Cuestiones de ego. En definitiva esto nos recuerda que como sociedad hemos ido en pico. Pues carteles impresos tamaño carta y con tinta desgastada dictan las mismas sentencias en cualquier local o abastecimiento de entretenimiento. Como señales, advertencias que nos golpean una y otra vez. ¿Para recordarnos qué?

Arranca la película. Me impresiona que finalmente puedo ver una película venezolana abarcando toda la pantalla, por lo general, el pobre mal pagado que le toca cambiar el rollo simplemente se limita a eso, a cambiar el rollo, y de vez en cuando se preocupa porque al menos un lateral de la proyección se vea en foco, de resto él simplemente está cansado y quiere llegar a su casa.

Lo que sospechaba, mis dudas eran ciertas, le bajaron el volumen a la proyección, lo anterior era una burla, la sensación es la de haber escuchado en audífonos a toda mecha alguna canción de AC/DC y luego terminar intentado complacerte con la corneta de tu teléfono celular, más o menos así. En fin, es lo que hay, o al menos como ellos quieren que sea. Cosas de la burocracia, que yo poco entiendo. O quizás un plan de desestabilización contra el cine nacional, esa guerra entre las distribuidoras y los cineastas, entre los dueños de las franquicias cinematográficas y los cineastas. Cosas de guerra, que yo poco entiendo.

La película comienza con una canción pegajosa, de esas que Rodríguez, Tarantino, Roth y etc, suelen usar para arrancar sus películas, no se puede negar la influencia que acecha a Malavé en ese sentido, él tiene esa necesidad de hacer cine Pulp a lo venezolano. La canción se desgasta abruptamente sobre otra escena más adelante. Esta sensación de cambio de emisoras estará a lo largo de todo el metraje, abusa del efecto, y de las tonadas, pues “Último Cuerpo” está plagada de referencias musicales, en algunos casos muy bien insertas y en otros indecorosamente bajadas de volumen.

Unos títulos amarillos nos refuerzan el hecho de que veremos una película sobre el periodismo amarillista, en la onda de “Crónica Policial” y la última página del “Última Noticias”, por algo se llama “Último Cuerpo”, a pesar del juego de palabras. Juega con esos colores en la fotografía, una decisión acertada en ocasiones para remarcar las tonalidades propias de la ciudad, y el tema central perse. Maracaibo es calor, seco y a veces pestilente, ese calor que te cuestiona tu ética como humano. Es por eso que el amarillo para Malavé se convierte en su propia visión de hacerle guiños al Noir made in Venezuela, un terreno que al director parece gustarle y del que ha hecho referencias en sus trabajos anteriores.

Para el espectador ésta es una sensación vivida, pues todas las mañanas en los andenes caraqueños de nuestro abandonado metro, vemos a ese Venezolano de a pie que sigue leyendo el diario de atrás para adelante, esa curiosidad que se le adjudica en Maracaibo al personaje homenajeado en cuestión en el filme. En todo caso, para el caraqueño las noticias de “Sucesos” es como el guayoyo mañanero: No puede vivir sin el. Es una bocanada como la del primer cigarrillo, aire para nuestros pulmones, pues vivimos de la violencia, y ya nos acostumbramos a ella. Malavé intenta hacer critica de todo esto.

Malavé aun intenta demostrar un estilo, una forma de hacer cine, de ser recordado, valorado y reconocido por el espectador venezolano. Quizás lo esté logrando, y es que el merito de Malavé radica justamente en que él hace lo que le da gana y como le da la gana, en ese sentido Malavé se reinventa en forma, más no en contenido, para intentar hallar una huella. Es por eso que “Último Cuerpo” es un pastiche de encuadres, cortinillas y movimientos de cámara, que pasan desde el policial Ochentoso, con sus tonadas de saxofón melancólico al caer la noche, hasta la estética comic impresa en filmes como “Pulp Fiction” o “Sin City”.

Malavé siempre ha jugado a hacer cine. Lo hace desde una perspectiva lúdica muy personal y apasionante. Se siente como un niño[1] que tiene algo de dinero; sólo un poco, el de la mesada. Una cámara y muchas horas de películas “Clase B” frente a sus ojos. Eso esta bien para él mientras disfrute de sus películas, pero no para quienes pagamos por ir a verlo. Pues un padre disfruta de las niñerias de su hijo porque no le queda otro remedio, pero tiene tolerancia cero ante los hijos de los demás.

Lo bueno es que el niño está creciendo y se nota la madurez. Pues esta es su mejor película desde “Por un Polvo” ya que “Las Caras del Diablo” fue un experimento realmente fallido. En todo caso para mi es meritoria la labor de Malavé en la industria cinematográfica nacional, es el único, en nuestro país con casi un estreno anual en su haber, ¿Dedicación, constancia, fuerza de voluntad? Sólo el lo sabe, pero esta forma de vida, está empezando a dar resultados.

El ritmo de la canción curiosamente no compagina con el montaje, lo intenta, pero no lo logra, a lo largo del filme se presentarán momentos parecidos, como el de la persecución entre los bananeros, no muy bien lograda en cuanto a tensión se refiere. Le falta necesidad de videoclip a lo que se plantea de esa manera. Al contrario veremos una labor mucho más elaborada y correctamente filmada en la escena del supermercado, pero como no todo es oro, pues malavé recurre al Deus Ex Machina al abarrotar el final con 20 policías comando (Quizás eran menos) que salieron de la nada. Y no, no era una estrategia policiaca para capturar al Mata-Policías, pues la actuación de Jesús Cervó así lo niega.

Pasamos luego de un prólogo, a conocer a nuestro antihéroe y a su compañero de andanzas, en una relación bastante pintoresca de maestro/aprendiz, o de Quijote y Sancho Panza, no por nada el Heriberto Camargo que construye William Goite es presa de unos molinos que se alzan sobre el puente, su locura periodística o su irreverencia profesional es producto de más de 30 años de cercanía con la muerte, una patología del personaje que se hará cada vez más evidente a lo largo de 4 soliloquios, muy mal escritos, redundantes e innecesarios que el director ha puesto sobre el papel para el lucimiento de su protagonista. En algunos momentos falla, en otros es aceptable. La necesidad del personaje por alcanzar el reconocimiento o de alguna forma no ser olvidado y pasar a la historia, se ven, no sólo remarcadas en las palabras de su personaje, sino en la labor de la dirección de arte, pues una edición del Club Brugera de los 80´s de “A Sangre Fría” de Truman Capote, está convenientemente abierta al lado de su monitor. La necesidad de rescatar al personaje ante los días violentos que vivimos actualmente en nuestro país lleva al director a ese tipo de obviedades. Subtexto temático dentro de la psiquis del autor, como una muestra de su cariño hacia el personaje verdadero.

Goite se siente cómodo con el personaje, caso contrario a lo que le ocurría en “Las Caras del diablo”. Los roles característicos le pertenecen, aunque es sabido que puede sobrepasarse, como se ha visto en “Por un polvo”. En este caso es culpa de Malavé sus momentos más bajos, que claro están en gran parte de esas 4 escenas que ya he nombrado: La conversación con el compresivo transformista, dos escenas con su pupilo, y el final, donde se manejan una serie de textos que redundan en la psicología del personaje. Malavé sigue con sus intenciones de hacer largometrajes basados prácticamente en el dialogo, el error; considero yo, es que él mismo se adueña de la edición, le cuesta desprenderse de su producto, y se niega a cortar donde hay que cortar, quizás de esa manera hasta 30 minutos menos de metraje le habrían sentado mejor al producto final. Cuestiones de ego.

Y vaya que Malavé lo tiene, recuerdo sus insultos al critico Ricardo Azuaga con motivo de su nota sobre “Las Caras del Diablo”, que en este caso se remarcan constantemente ante la pregunta que le hace Camargo a su Sancho cuando le dice: ¿Cuántas caras tiene la muerte?

1, 2, 3 y hasta 4 veces, llegué a contar.

A Goite lo secunda Guillermo García en el rol de compañero inseparable, con una máscara continua de hombre temeroso que crea simpatía en el espectador. Todos los momentos dedicados a insultar al pobre hombre o a ponerlo en situaciones de tensión, son bastante divertidos, y el espectador así lo remarca.

Miguel Ferrari con un performance actoral bien llevado. Jean Paul Leroux que curiosamente se hace más natural al entonar el castellano en acento colombiano, le sienta bien, aunque cuando intenta ser natural, digamos, sigue sobreactuando.

No me acostumbré a Mercedes Brito, si bien tiene momentos notables, como el caso cuando descubre la identidad de su amante, el personaje resulta forzado, algo que me pasó con Norelys Rodriguez en “Muerte en alto contraste”, la necesidad de involucrar un rol femenino de peso en la película era prescindible, pues el personaje hubiese tenido un motor dramático de haber accionado y enfrentado el problema ante el conflicto generado por el cuadro de los personajes, pero finalmente el personaje guarda silencio cuando se ve en la situación creada por su guionista, lo que me hace pensar que simplemente está en el filme para ser mostrada como un producto capaz de satisfacer la necesidad de ver unas buenas tetas y un culo. Patrón machista de sociedad matriarcal. Es valido.

Malavé está aprendiendo de sus errores, finalmente no usa a la mujer como un objeto del deseo para el espectador invitándolo a compartir un desnudo pudoroso como fue el caso de “Por un polvo”. Aquí juega con el erotismo de unos pezones femeninos que se ocultan tras la vestimenta de su femme. Finalmente juega al erotismo implícito sin necesidad de intentar mostrar mucho más.

El reparto lo completan, el ya constante dentro de la filmografía de Malavé, Guillermo canache en un personaje menor, pero en apariencia importante para la trama. Una desaprovechada Matilda Corral, que al menos logra lucirse un poco más que en su predecesora película, aunque encarnando un rol similar, personaje informante, en una cúpula mísera y de pobreza marcada. Socrates Serrano como el cabecilla, jugando a la par con Jean Paul Leroux en eso de los acentos, no solo yo lo note, pues los adolescentes sentados frente a mi se hicieron la misma pregunta ¿Y al acento qué le pasó? cuando el Alcalde luego de su discurso político, en un acentuado maracucho, habla con Sangretti en un muy marcado Caraqueño.

Ésta escena de la inauguración de un centro comercial es una lanza que Malavé intenta clavar a los burócratas de nuestro país desde el inicio, donde un lacayo del Alcalde le da la bienvenida a “Todos y a Todas”, bajo los colores azules que representan a la oposición de nuestro país, dos bandos enfrentados bajo la estética del color y la fuerza del dialogo de la propaganda política.

El público ríe cuando hay que reír, presta atención cuando amerita de ello, y se confunde cuando Malavé le imprime un montaje anacrónico a su historia. Sospecho que no aplicó la misma técnica de Eduardo Arias-nath para con “Elipsis” cosa que es de agradecer, ya que lanzar el guión por lo aires, nos ha enseñado que puede resultar ser un completo desastre.

Malavé piensa muy bien donde colocar sus extractos informativos, para que el espectador entre en juego, solo es funcional, cuando la trama está llegando a su final. Puede o no ser acertado, yo sólo lo nombro.

El Happy Ending plantea una luz al final. A pesar de que frases como “No quiero que la muerte se enamore de mi” o “Los gobiernos pasan pero los policías quedan” son lapidarias para una sociedad que día a día sufre los estragos de la violencia. La ilusión de que el problema se puede resolver desde adentro resulta risible en un país que se ha acostumbrado a irse por la tangente. En un país donde deben recordarte que debes votar la basura en la papelera. En un país donde ver un muerto en la acera es una atracción de feria, sobretodo cuando la policía se presenta 8 horas después.

La película termina y uno sale satisfecho, pues el producto funciona dentro de los anaqueles del entretenimiento, no va más allá de eso.

Lo bueno, que Malavé se está tomando su tiempo para narrar historias.

Lo malo, que luego de salir de cartelera será olvidada, como sus trabajos anteriores.

Al final en la escena del supermercado el hombre que estaba sentado en el asiento trasero se pregunta: ¿Y que supermercado es ese donde hay aceite? Quizás es el “Último Abasto” y quizás resulte que de un tiempo para acá cuando los policías sigan siendo los mismos, a pesar de los gobiernos, el último cuerpo sea el de uno. Nos quedará la satisfacción de ver nuestro nombre en la pagina del “Últimas Noticias” y quizás a Malavé le de por hacer alguna película sobre nuestro caso. Todo depende de si seguirán enseñándonos donde botar la basura, o si por el contrario seremos capaces algún día de botarla en su lugar sin que nos recuerden nada.

Mayo 2011.

[1] El termino niño lo empleo, hacía la labor como director de Malavé, bien es sabido que Carlos Daniel Malavé tiene mucho años en el mundo de la cinematografía nacional, pero desempeñando otros roles.

"Samuel" Cesar Lucena, 2011. Venezuela

2011-05-06T16:15:00.000-07:00

Samuel.

No me da la gana de dar nada.

Por: Daniel Dannery

Finalmente arranca el 2011 para el cine nacional, un poco tardío diría yo (¿Dónde se encuentran los secretos mejor guardados de la villa del cine, como es el caso de “Bambi C-4” o “La Pura Mentira? Por nombrar solo algunas); pero desconozco cuales son los procesos de distribución, aunque se, que no es tarea fácil.

Un puñado de películas esperan en cola por ser estrenadas, ya con fechas fijas, firmadas y certificadas. Desde aquellas que se filmaron hace más de una década como es el caso del regreso de Thaelman Urguelles a la pantalla grande con “Los pájaros se van con la muerte”, o el nuevo intento guerrillero de Carlos Daniel Malave “Último Cuerpo”, que fue grabada en 2010 en apenas 51 días, aunque de guerrilla creo que más bien tiene poco, comparando el prepuesto de “Las Caras del diablo” con este nuevo estreno, son unos cuantos millones los que hacen la diferencia, aunque sabemos, que jamás se le acercaría al presupuesto de una película como “Zamora”; por ejemplo, toda una superproducción, que solo pocos tuvieron la desdicha de ver.

El año comenzará a hablar por si mismo, a medida de que cada una de estas cintas comiencen a abordar nuestra cartelera nacional, en todo caso, es bueno hablar de un cine que constantemente se deja ver en pantalla, y no de uno que pertenece al recuerdo, a lo inexistente, a lo que no se hace.

Algo es cierto, al parecer el cine nacional llegó para quedarse. De buena o malas maneras, eso ya depende de cada quien.

“Samuel” es el nuevo intento de Arvelo; esta vez como productor, tras la fallida “Habana Havana” de llevar a los circuitos un cine intimista con sabor Merideño, bajo los cánones de su manifiesto cinematográfico titulado “Cine Átomo”; cualquier coincidencia con el método de trabajo que proponen el “Dogma 95” de los Daneses, o por ir un poco más lejos, con el “Cine Urgente” del 68, son pura coincidencia.

De tal forma, “Samuel” se perfila y se vende, como una alternativa al cine de arraigo social, violencia, y malas palabras que tanto se ve en nuestras salas, para así, hacernos entrar en un mundo, donde el único problema existente es el de un hombre que no puede soportar el hecho de haber sido bendecido por la mano del señor.

En pocas palabras, tenemos ante nosotros un drama indie de proporciones bíblicas, donde la Fe se pone en juego, y se le acusa a Dios (en apariencia) de no intervenir en el proceso natural del hombre: La muerte (Contradictorio, lo sé). Al menos hasta que éste santo se de cuenta de que tiene un propósito en la vida, ayudar a los demás, a pesar de que nadie lo ayuda a el. Lo cual es una mentira, y más adelante explicaré el por qué.

Toda la película cobra un aura bíblica bebiendo un poco de la historia del profeta Samuel, aquel que era llamado en sueños por Dios, esto, junto al caso verdadero de Edgar Cayce, un norteamericano que bajo Hipnosis podía hallar la cura de los enfermos.

Con la excusa de un drama donde las emociones de los personajes son los que motivan a la historia, “Samuel” se siente vacía en contenido, intentando dejarle todo a una imagen en apariencia poética que debería hablar por si misma, pero no lo hace.

La sensación que deja la película es la de una historia que pudo haberse contado en menos tiempo, el ritmo juega en su contra, intentado adentrarnos en un mundo que no nos pertenece y que nos muestran lejanamente, como si aquí, todos tuviésemos una licenciatura en antropología. Este mismo problema, y me tomo el atrevimiento, lo tiene “Luz Silenciosa” de Carlos Reygadas.

La cámara en ningún momento abandona a Samuel, ésta construcción fija pareciera que tuviese como propósito hacernos vivir con el personaje sus dolencias, sus pensamientos, y su forma de ver las cosas. Lamentablemente no lo logra. La reiteración de una sucesión de Till Ups para remarcarnos cada cierto tiempo que el personaje ha cambiado milimétricamente su emocionalidad no funciona coherentemente, pues la historia nos oculta un trecho demasiado importante en la infancia del personaje, para lograr crear la conexión que se necesitaba. ¿Cómo logró Samuel afrontar la muerte de su padre? ¿Cómo afronto Samuel esa perdida de lo que el conocía como el amor, cuando le fue arrebatado? ¿Cómo llegó Samuel, ese hombre silencioso, mecánico de profesión a trabajar para el marido de su verdadero amor? ¿Cómo llegó a hacerse mecánico? ¿Está Samuel solo como los están esas montañas que lo rodean? La soledad de Samuel o al menos los indicios que nos permiten a nosotros apreciar de donde proviene esa sensación de vacuidad es remarcado en los flashbacks, pero absolutamente nada de esto convierten a Samuel en un personaje interesante. La soledad de Samuel se va llenando en la medida en que la suerte anda de su lado y es por eso que uno no entiende porque el personaje reacciona de esa manera. Y esto no quiere decir que sea un personaje complejo, creo que es un personaje al cual el estudio cuadrimensional le quedo corto.

El único momento donde vemos que el personaje toma la determinación de lograr algo, lo logra sin apenas desenfundar un machete. Todo pasa como una sucesión de eventos que están a su favor. No hay choque dramático, y en el momento donde puede hacer uso real, personal, y conciente de su don, simplemente al personaje no le da la gana, entonces puede que la vida haya exigido todo el, pero de ahí a decir que no podía dar nada, me resulta una absoluta falacia, Samuel lo podía dar todo, porque la vida le dio todo lo que el quiso a pesar de lo ocurrido, y el simplemente dijo: “No me da la gana de dar nada” y de paso le echa la culpa a Dios. Semejante caradura.

En lo concerniente a la interpretación, todos están correctos, dado lo que la historia permite de ellos. Sobresale el trabajo de la actriz Ananda Troconis con un registro emocional realmente convincente, sus silencios dicen más que la soledad del mismísimo “Samuel” y su mirada deja ver las angustias, sueños y necesidades de un personaje que en guión pudo haber dado más de si. Carlos Julio Molina (AKA Dj 13) sorpresivamente se contiene, a pesar de que su personaje está fuera de casting. Manuel Porto sobreactúa los primeros minutos pero luego uno se acostumbra a ello. Erich Wildpret desarrolla un personaje que le viene como anillo al dedo, ese hombre que con cara de compungido se pasea a lo largo de toda la historia. Y finalmente la aparición fantasmal de Marisa Román, da un poco de gracia.

Tengo una sensación de caja musical. La película se desarrolla en su mayoría en exteriores, pero la necesidad de su director de hacer su drama íntimo más intimo, le imprimen al filme una extraña construcción de encierro. Este hombre que camina a veces de ida, a veces de regreso, que se aísla en una mazmorra con fines curanderos, con la finalidad; quizás, de buscar el conocimiento que la ignorancia no le deja vislumbrar, como si de una alegoría al mito de las cavernas se tratará, que regaña a su hijo por jugar con una pequeña caja de música que no le brinda nada a la trama, más el hecho de que alguien cómo yo se pregunte: ¿Y eso por qué?, que abusa de una música que busca la sensibilización inmediata del espectador y que suena, como no, a caja musical, no le brindan nada a esta historia que pretende ir más allá de lo evidente.

En definitiva “Samuel” adolece de los mismos males de “Habana Havana”. Cesar Lucena, su director, comete los mismos errores que Arvelo cometió en su primer producto Átomo. El mundo construido para “Samuel” aparenta profundidad, pero es plano, no hay matices, ni en la historia, ni en su registro actoral, ni musical, se queda en lo que muestra, jugando al saber, e intentado producir un dolor de cabeza al espectador que se pregunta constantemente ¿Qué sentido tiene todo esto?, uno profetiza al igual que Samuel el bíblico que una tragedia se cernirá sobre nuestras retinas, y así es, pero el director le tiene fe a su personaje, le agrada, a pesar de que lo ve desde una distancia un tanto prudencial, y entonces lo redime, y de nuevo a “Samuel” la vida le comienza a dar regalos, y finalmente él como muchachito en época de navidad disfruta destapándolos.

La vida para “Samuel” es una carroza que él jala, donde él debe tener la decisión y no los demás. Eso es lo que plantea el autor.

Yo digo: A Samuel la vida le ha dado más de lo que se merece.

Mayo 2011.

La música en el discurso cinematográfico Por Erly Ruiz.

2011-03-12T09:07:00.000-08:00

Erly es un gran músico. Una persona con una sensibilidad artística notable. Sociólogo y Artista. Una combinación a mi parecer realmente homogénea. En este artículo reflexiona sobre la conjunción de ambas artes (El cine y la Música) como catalizadores hacía la expansión de la creatividad dentro de este mundo.

Como detalle extra, él ha querido publicar el articulo en algunas revistas Sociológicas, las cuales le han negado la posibilidad por tratarse de unas notas muy poco "sociológicas". Luego ha insistido en presentarlo en los Estudios Culturales de Filosofía y Arte, los cuales han rechazado el artículo por ser demasiado "Sociológico". ¿Dónde está el error?

Música en el discurso Cinematográfico. Erly J. Ruiz

Daniel Dannery.

ENTER THE VOID, Gaspar Noé. 2009. Francia.

2011-01-21T15:17:00.000-08:00

Si en los sesenta la necesidad mística del ser humano se proyectó en la exploración espacial y sus misterios potenciales con 2001: Una Odisea En El Espacio (Stanley Kubrick, 1968), ¿será el equivalente cinematográfico de esta recién terminada primera década del Siglo XXI una experiencia mística envuelta en los alucinógenos? En algún lugar del tiempo se intercambiaron los papeles. Culturalmente los sesenta y setenta son el paradigma de la época alucinógena, experiencia que contaminó todas las manifestaciones artísticas de entonces. Para los entusiastas del LSD y la mescalina, 2001: Una Odisea En El Espacio era una especie de porno estimulante de sus condiciones especiales de la alteración de la conciencia. Esto ha alejado al público de las verdaderas preocupaciones filosóficas que implicaba esa película. Hoy en día, probablemente pasará lo mismo con Enter The Void (2009) de Gaspar Noé, con la concha de mango (a traducir, traductores) de que en esta oportunidad las drogas tienen una presencia muy marcada y determinante. La premisa es la misma: un día pisaste mal, tropezaste, en la ducha, en la calle o en el espacio exterior y ahí te agarró la experiencia mística de la que probablemente ni te habías preocupado jamás. Así funciona nuestro insólito, cínico, irónico y cruel universo.

Este ejercicio consiste en agarrar esta película y tenderla sobre la mesa como un pedazo de carne a punto de ser lanzado a las brasas, exponerla a otras luces, contraponerla, hacerla reaccionar, para señalar que está hablando de muchas otras cosas, en un movimiento expansivo. Con esto no pretendo decir “esta película se trata de” ni que tengo todas las respuestas verdaderas al respecto, porque estoy claro que estoy deshaciendo esta película de Gaspar Noé y haciéndola mía. Y es lo mínimo que deberíamos hacer como espectadores. Me responsabilizo, solamente y a duras penas, por mis opiniones.

Si 2001: Una Odisea En El Espacio intentaba una especie de biografía mística de toda la humanidad y lo que viene después, Enter The Void se refiere a cómo se puede experimentar todo el universo en el espacio-tiempo de una sola vida humana.

Alex, el desenfadado y ambiguo portador de la luz y su “biblia tibetana” son las dos guías, tendidas sobre la mesa desde el principio. Para guiarte y confundirte. “Alex is not your friend.” – es la errónea advertencia que le hace Linda a su hermano Oscar en el principio. Al final Alex es el único amigo con el que Oscar y Linda cuentan.

Los primeros veinte minutos de la película son apenas un manual para entender lo que va a pasar en todo el resto. Gaspar Noé encontró una estructura, un pretexto, para desplegar todos los recursos cinematográficos que tanto le gusta utilizar. Como decía en aquella entrevista, lo que más lo hizo esperar antes de realizar Enter The Void, no fueron problemas de actores o de guión, sino problemas técnicos; quería hacerla en el momento en que esos efectos estuvieran listos y a su disposición. Por supuesto que el resumen del Libro De Los Muertos que ofrecen en la película es una simplificación y una caricatura, tanto como lo es de arbitrario ese título para el libro tibetano Bardo-Thodol. Aunque a Noé le parece suficiente darle ese resumen al espectador, pues no pretende darle ninguna clase, siento que en el resto de la película utiliza más a profundidad todo lo que hay en ese texto, para exponer sus propias visiones. El Bardo-Thodol es una guía para saber vivir esta vida y saber dejarla, liberados de ese ciclo. La sanción fatalista de estar atrapado es puro Gaspar Noé.

La estética barata del cine porno gonzo, vendida artísticamente como “subjetividad” es algo que no me cuadra a menos que lo lleves hasta sus máximas consecuencias. En esta película se la explota en más de un plano de la existencia y es lo que a la larga se vuelve interesante, aunque sea duro para los sentidos, debo admitir. De pronto, lo insoportable y limitante que puede resultar la cámara subjetiva ingresa al plano astral y encarna la semi-omnisciencia que puede tener la cámara, el narrador cinematográfico, el fantasma angustiante de la ubicuidad.

El verdadero viaje comienza y el alma encuentra la “luz clara” del bardo y alcanza la ubicuidad no sólo en el espacio sino en el tiempo. De ahí en adelante comienza la verdadera exploración de aquello de lo que estamos constituidos como seres espirituales y físicos en este universo. El proceso de continuidad, de red, entre el alma y el cuerpo, nivel tras nivel, el Tantra.

Y comienzas a sospechar que estás tocando el tejido mismo de lo que está hecho el universo. Amplificado. Porque no habría más que extender una mano y tocarse el brazo. Bingo. Pero nunca podrás estar seguro. Por cualquier camino, al final, todo se reduce a una cuestión de fe. Todo lo que hacemos es un acto de fe. Empiezas a ver esos patrones en movimiento. Esos mandalas. Empiezas a sospechar que todo tiene un orden en el universo por más que se nos escape en una mirada sobre la superficie y los fenómenos. Tentáculos moviéndose, interconectados. Ellos te hacen actuar, te hacen sentir. No hay diferencia entre el hacer y el acontecer. “Espera a que mueras, ese será el verdadero viaje.” Cita inexacta. El Libro De Los Muertos. Claro que es una caricatura, como define Gaspar Noé sus propias películas. Caricatura, melodrama, exageración.

Lo que anhelamos, ese vacío primigenio e intermedio, es algo a lo que se tiene acceso sólo por instantes. Si se indaga más y más hacia las profundidades, más y más hacia la raíz, se van retirando las capas de lo que hemos construido alrededor del amor, la infancia, la familia, la tranquilidad intrauterina y lo que siempre volvemos a buscar es ese vacío, ese fundirse con el todo después de haber conocido lo que es estar encerrado en el uno (en esto se basa en gran parte la psicología Jungiana, en cómo convivir sanamente con ese anhelo, un trabajo que nos toca a cada uno y es intransferible). Los caminos que Oscar toma para reencontrarse con su hermana, lo llevan eventualmente a ese vacío materializado en un local decadente de Tokio: el enredo con la madre de Víctor y el tráfico de drogas para ganar el dinero para traer a su hermana. Se termina obteniendo lo que se quiere sin saberlo, lo que es inevitable, aunque se sorteen cientos de distracciones en el camino. La película está salpicada de guiños, de pistas relacionadas con esto. Se entrelazan las pulsiones y compulsiones: el sexo, la experiencia de las drogas, el amor fraternal, el vacío. Al comienzo del viaje se equiparan como en un caldo de cultivo: Oscar tiene sexo con la mamá de Victor y lo que recuerda es la lactancia; Alex habla de cómo fumar le recuerda el pezón materno, que es la mejor cosa en el mundo, mientras esperan a que el ácido haga efecto mirando una pantalla con mandalas psicodélicos; en el bar, Alex le habla del LSD y los distintos planos mientras ven un video de un feto flotando en el sueño amniótico. Alex, a lo largo de toda la historia, es el mentor, es la sospechosa mala junta del comienzo que va descubriéndose como el único personaje bienintencionado y confiable alrededor de estos dos hermanos perdidos. Alex mantiene silenciosamente su búsqueda trascendente, y trata, en su relación con Oscar de señalarle la dirección correcta, entender la diferencia entre fines y medios, y finalmente es el personaje de que de alguna manera trae la luz y la paz de vuelta. Alex se niega a entrar al vacío antes de estar preparado, explica y trata de difundir, a su manera, la guía espiritual tibetana.

Pero quizás hay un punto moral detrás de todo esto: hay una serie de eventos desastrosos que siguen a la muerte de Oscar, y un pacto de sangre entre hermanos (algo en lo que hace énfasis Gaspar Noé en la entrevista).

Los lugares en los que se mueve el alma de Oscar entre este y el otro mundo (los estados intermedios o bardos del budismo tibetano) son caricaturas, espacios arquetípicos de fuerzas opuestas: The Void, Sex Money Power y Love Hotel. ¿Por qué Japón? ¿Por qué Tokio? Gaspar Noé toma un tema oriental antiquísimo y lo pone a prueba en esta época, en la paradójica Tokio. Todo el proceso místico que describe Alex en un principio, es escenificado y ambientado en esa ciudad podrida de neones y vicios, en un país que tuvo tanto que ver con la difusión mundial del Budismo, relacionado tradicionalmente con la pureza y la espiritualidad, pero que ha tomado un violento desvío con su veloz, hiperbólica y barroca occidentalización. Con su presencia terrenal tan fuerte, es evidente que el personaje fantasmal que activa toda la película va a volver a sucumbir y a caer en el ciclo de las reencarnaciones. Ese mundo tan retorcido no lo va a dejar ir tan fácilmente.

Pero al final, cuando Oscar logra salir de ese fatídico túnel, todo se vuelve tan tonto, tan esquemático, tan mínimo y al alcance, en nuestra insignificante escala humana. Todas las formas del “amor”, que será lo único que acaso logre redimirnos del miedo, caben en ese tempo que termina siendo el Love Hotel, y ahí ocurre, finalmente la coniunctio alquímica que lo restituirá quizás como individuo, una vez más. Este arquetipo de La Sagrada Familia es uno sólo y en todos los hombres está el germen único del hombre original, la humanidad, así como en El Séptimo Sello (Ingmar Bergman, 1957), la única esperanza posible en medio de la peste, en cualquiera de sus encarnaciones.

Por supuesto, no todo cabe perfectamente en este esquema, afortunadamente, pues sería como querer explicar Lost Highway (David Lynch, 1997) sin dejar cabos sueltos: un crimen y una pérdida de tiempo.

Pedro.

My Best Friend's Birthday. Quentin Tarantino. 1987. USA

2011-01-18T11:36:00.000-08:00

Realizado en 16mm, Tarantino era apenas un aspirante a actor, quien junto a su compañero de trabajo (En aquel VideoClub) Craig Hamann, co-escribió el guión.

El metraje original tenía una duración de 70 minutos, pero cuenta la leyenda que en un incendio gran parte del original se quemó, y quedó reducido a 36 min.

Este mediometraje, es el primer trabajo del realizador como Guionista y Director.

Años después la anécdota de la historia y gran parte de este material servirían a Tarantino para escribir el guión de "True Romance" (Tony Scott, 1993) vendiendo los derechos para así obtener dinero para realizar lo que sería su Opera Prima "Reservoir Dogs".

My Best Friend's Birthday, es una comedía de hiper dialogo, donde las motivaciones de los personajes, el espacio en el que se desenvuelven y en general, solo son una excusa para plantear un juego absurdo de situaciones que llevan a la risa. No es una gran película, pero algo si tiene, entretiene.

NOTA: Para aquellos que no hablen inglés, tienen la opción de verla con subtitulos, en la pestaña "CC", luego de darle PLAY.

¡Ah! y "A Countess from Hong Kong" es realmente una mierda, y que me perdone el cielo, porque yo amo a Chaplin.

Daniel.

El Cine según Quentin Tarantino.

2011-01-11T17:04:00.000-08:00

Nada mejor pa empezar el maldito año.

El puto amo!

erre

Pedro Costa, Juventude Em Marcha (2006) #1

2010-12-27T18:25:00.000-08:00

Pedro Costa

A continuación dejo un link directo a un hermoso trabajo en torno a uno de mis cineastas favorito Pedro Costa, especialmente de su película "Juventude Em Marcha".

Del blog que lo contiene, sólo he leído esta nota y la verdad es que está muy de pinga.

http://letrasdecine.blogspot.com/2008/07/el-cine-de-pedro-costa.html

Erre.

Lav Diaz, Melancholía.

2010-12-27T18:11:00.000-08:00

Sin pudor a que me etiqueten mil veces más de ladilla, intensoso y cine fastidioso, les planto esto:

Título original: Melancholia

País: Filipinas

Director: Lav Diaz

Color: B & N

Formato: Video: Digibeta

Duración: 480 min

Reparto: Raúl Arellano, Angeli Bayani, Soliman Cruz

Guión: Lav Diaz

Fotografía: Lav Diaz

Montaje: Lav Diaz

Erre

Temple y Jane: Los rostros monstruosos del cine de su tiempo.

2010-12-09T12:30:00.000-08:00

Temple y Jane:

Los rostros monstruosos del cine de su tiempo.

Por: Daniel Dannery

Nota del Autor (Osea, Yo):

Este texto he de considerarlo una serie de apuntes de lo que podría ser en un futuro un análisis detallado de la película “¿Qué pasó con Baby Jane?” (1962) Del director Norteamericano Robert Aldrich. Estos apuntes están elaborados, en base al análisis simbólico-psicológico realizado de la obra pictórica “Shirley temple, el más joven y más sagrado monstruo del cine de su tiempo” (1939) del artista español Salvador Dalí, con motivo de su cercanía con el mito griego de la “Lamia”.

Me pareció conveniente el análisis comparativo de ambas obras (Tanto el cuadro, como la película) por la similitud temática que ambas exponen.

APUNTES:

Bette Davis como "Baby Jane".

Shirley Temple

La conciencia irracional se conecta de manera asombrosa hacia un pensamiento dirigido como no dirigido, el inconsciente colectivo se presenta sobre las mentes creadoras, dejándonos ver manifestaciones artísticas de carácter tanto lógico como abstracto.

De esta manera lo arcaico, junto al pensamiento actual se encuentran, y el fenómeno del inconsciente entra en escena.

Jung, nos dice “…El inconciente, es un estado constante, duradero, que, en su esencia, se perpetúa semejante a si mismo; su continuidad es estable, cosa que no se puede pretender del consciente…” (1944, p.46).

Dalí se conectó con su inconsciente dejando para la posteridad un retrato que nos muestra la maquinaría de una época que hizo de alguien carente de maldad, el más horrible monstruo.

“Shirley temple, el más joven y más sagrado monstruo del cine de su tiempo” (1939) refleja en esa inquietante imagen la figura casi paradójica, de una pequeña que gozaba de fama y que lentamente engranó en un proceso que la llevó hacia el camino de la perdida de la inocencia. Una empresa que actúa de monstruo (Lamia) succionando poco a poco la infancia de una pequeña que debido a su talento perdió la inocencia (sangre).

En Baby Jane ocurre de manera similar, la representación arquetípica de la inocencia, se ve desde un inicio apocado por los reclamos incesantes de lo típicamente infantil: El capricho. De esta manera la construcción del personaje es repudiante desde el primer momento en que aparece en la puesta en escena hablando con el padre. Podría ser, ese ser cautivante, inocente, hermoso ante los ojos embelesados de su público, pero detrás del escenario se convierte en un horrible caldero de exigencias que nos intentan demostrar la maldad naciente en el personaje de Baby Jane. ¿Pero es realmente así? O Baby Jane es simplemente un producto elaborado y victima, no de la industria para la que trabaja, como ocurre con Shirley Temple, sino de aquellos seres más cercanos a su vida, su hermana, por ejemplo.

En este caso los roles toman una significancia mística. Para Shirley Temple, la industria se convierte en un motor que la hace avanzar a ritmo acelerado hacia el olvido, en el caso de Baby Jane, el olvido se convierte en lo natural de la fama, y se despliega en circunstancias irónicas hacia el rol de su hermana, de esta manera Baby Jane tiene de quien sentir envidia y verse siempre al espejo de su hermana. Shirley temple, tiene que estar constantemente viéndose en su propio espejo, sin posibilidad de retorno y desbocadamente llevada al olvido.

Baby Jane por el contrario, puede reclamar hasta el fin de sus días la perdida de la fama en la figura de la hermana, y cargar con ese peso hasta el fin de sus días. Es aquí donde una especie de locura comienza a hacerse latente cada vez más.

Al observar el cuadro de Dalí cuya imagen central es la de un animal cuadrúpedo y que por cabeza tiene el rostro de Shirley Temple, imaginamos que algo es presa de esa imagen o la misma imagen es presa de si misma, y al compararla con la imagen del monstruo mítico de Lamia, es imposible dejar de notar el parecido entre una imagen y la otra.

¿Qué sucede dentro de esa imagen? ¿Qué trata de mostrarnos?

Según la mitología griega: Lamia, una mujer hermosa, amante de Zeus fue victima de la envidia de Hera, quien decide acabar con todos sus hijos, Lamia totalmente acabada decide escapar hacia el desierto, refugiándose en una cueva y convirtiéndose en un monstruo escamoso, hermafrodito y con sed de sangre.

Tanto la muerte, como esa perdida de la inocencia que le fue arrebatada a Lamia se deja ver en el cuadro de Dalí, la figura de la Cuadrúpeda Shirley rodeada de calaveras y huesos (símbolos de muerte) y sobre su cabeza un murciélago posado como si esperara el momento para saciar una sed de sangré (que de igual manera simboliza el sexo hermafrodito de la Lamia), son elementos fundamentales dentro de la historia de Lamia.

Podemos aclarar que tal vez la figura de Shirley esa pequeña que a los seis años de edad ya era famosa, y que fue aclamada por una empresa solo en sus años de infancia por su talento y “madures” se encuentra dentro de un ciclo donde su niño interno empieza a morir y ella comienza a convertirse en mujer prematuramente.

En el caso de Baby Jane, Jane se nos muestra como una mujer atrapada dentro de una burbuja, donde los demás deben satisfacer sus necesidades, estamos viendo que la pequeña Jane ya es una mujer. ¿Dónde están el resto de los elementos compositivos que hacen de Jane una representación calcada de la figura de Temple, o del cuadro de Dalí en si mismo? Jane es dueña de su propio destino, y es ella quien trae la muerte a su propio cuadro, es ella quien cree tener la libertad de hacer con su vida una sucesión de pinceladas que desembocarán en el destierro hacía las cavernas, pero Jane ya ha sufrido un proceso muy avanzado de metamorfosis, que no me atrevería del todo a llamar locura, sino venganza.

Pero el arquetipo de mujer nos deja ver impresionantemente como esa figura femenina es vista de igual manera como una especie de monstruo encantador ¿Es qué puede ser posible que Shirley Temple, se haya convertido en eso?, la imagen de la inocencia muere, culmina con un periodo, para empezar con otra etapa.

El mundo de la industria cinematográfica acabó con un ser viviente despojándolo de una vida normal y corriente y dejando a la pequeña niña, no con la imagen del escape y el refugio (que necesariamente y simbólicamente esa imagen se encuentra referida de por si a la industria, lugar donde ocurre la metamorfosis –no material-, más bien mental de la joven actriz) si no con la creación “Del más joven monstruo sagrado del cine de su tiempo”.

La imagen de Dalí muestra la metamorfosis de una pequeña, que rodeada de huesos y calaveras, trata de mantenerse estable aunque el mundo que la rodea incansablemente este absorbiendo poco a poco su vitalidad. Baby Jane ha perdido todo indicio de energía, y busca incontrolablemente volver al principio de todo. ¿La búsqueda de la redención, o más bien un recuerdo que se deshace como el agua entre los dedos, y que hace conciente e inevitable el dolor del futuro, que es inaguantable? La mirada al pasado se convierte, en el premio de la muerte, pues de la nostalgia y el del sentimiento de frustración y la condición del abandono y la soledad, es de lo que bebe Jane, cada vez que mira a su hermana o le hablan de ella. Tiene que inventarse un mundo, donde ella sigue siendo eso que ha desaparecido con el tiempo, y para lograrlo debe sentirse como una pequeña de 6 años, quizás es por esto que Baby Jane se ve así misma como una de esas pequeñas muñecas que llevan su nombre y que yacen sentadas conservando la belleza, el blanco impecable de la pureza en sus vestidos, pero como algo sin vida.

Dalí nos muestra un símbolo Technicolor ¿Qué hubiera sido de la pequeña Shirley si su fama se hubiera adquirido a colores desde una pantalla de televisión?, en tal caso, tenemos a una doncella que pasó a ser victima y seguidamente se convirtió en una devoradora insaciable de fama, así como nos lo deja ver el mito de Lamia como la devoradora de sus hijos y de los hijos de los demás.

No es una decisión al azar; como no lo es cualquier decisión en el cine, que Baby Jane, se haya filmado en B/N, ¿Por qué no a color? Hay una estética, me atrevo a decir, casi expresionista en la composición fotográfica de esta película, un mundo terrorífico y detenido en el tiempo (La Casa) donde habitan estos dos seres: Victima y Victimario, el orden de esta condición es aplicable a ambas hermanas. La degradación de Baby Jane se ve unificada al rondar sobre sus propios pasos día y noche en una caverna que ella misma ha condicionado para su beneficio, y donde su hermana Blanche, es una presa fácil. En este juego psicológico que plantea la elaboración de un plan servido en bandeja para lograr la venganza y adquirir la salvación en el reencuentro con la fama. De esta manera la atmosfera creada fotográficamente en esas escalas cromáticas grises, amplían en el espectador la sensación de desesperación, de encierro, que necesita Baby Jane como personaje para desbocarse y adquirir su sanción final, de la misma manera como le ocurre a Norman Bates en “Psicosis”.

Está misma tensión se logra apreciar en los exteriores cuando Baby Jane transita por la ciudad, sólo hay respiro en los momentos en que ninguna de las dos hermanas se encuentran en plano.

La desventura existencial de la pequeña Shirley se puede comparar de igual manera con el rapto de la doncella (Perséfona o Cora) quien se encontraba en un florido prado en compañía de las oceánidas, entretenida recogiendo flores, quien al apartarse para recoger unos narcisos, en ese momento, se abrió la tierra bajo ella y de la grieta surgió montado en un carro tirado por caballos el rey de los infiernos: Hades, quien se precipitó sobre la Joven Cora para raptarla (Seemann. 1968 p.267) Hasta aquí el mito se asemeja a lo ocurrido con la pequeña Shirley, princesa o doncella quien fue raptada abruptamente por ese demonio como lo es Hollywood, pero Cora tuvo que quedarse en los infiernos pasando de ser una joven inocente (como lo fue la pequeña Shirley) a convertirse en una diosa de la muerte.

¿Quién Rapta a Baby Jane? O quién es a fin de cuentas el Hades de esta historia: ¿El padre, quien se aprovechó del talento de la hija para obtener fama y dinero a su costa? ¿La madre, quien callada y alcahueta, dejó la potestad de su pequeña en manos del padre, para que este lograra hacer cualquier cosa con ella? ¿La hermana, que observaba en silencio como su hermana era llenada de ovaciones, mientras su padre le ordenaba mantener la distancia, mientras ella todo lo que necesitaba era un poco de atención? No voy a responder a esta pregunta.

La muerte simbólicamente se representa la mayoría de las veces con huesos y calaveras (esqueletos), Shirley se ve dentro de la imagen rodeada de muerte, como lo estuvo Lamia cuando huyó hacía el desierto. Un ambiente rojizo que simboliza cambio y entre los huesos desplegados sobre la tierra, entre las patas delanteras se observa una calavera ¿Por qué esa calavera en primer plano?, justamente la calavera es una representación abreviada de la muerte.

Si vemos la pintura sin necesidad de compararla con el mito, no nos encontraremos simplemente con un cuerpo de león que lleva por cabeza el rostro de Shirley Temple. El rostro humano, ya es manifestación de una vida espiritual, la mas perfecta prueba del mundo visible, entonces caemos inevitablemente en el principio, hay una muestra de vida, inocencia en tal caso, el rostro de una niña, inmerso en un lugar donde se respira muerte.

Baby Jane, ya lo hemos dicho, adolece de juventud, aunque la resistencia a envejecer sea motivo de la historia. La muerte se presenta como una solución. Aquí el rostro humano no es esperanzador ni motivo de vida, pero si una muestra del mundo visible, del horror del mundo tangente, Baby Jane se nos muestra como un cadáver en descomposición, algo sumamente frágil, pero capaz de acabar con todo a su paso, como si se tratara de la misma peste, como un virus. Es ella buscando una manera de aferrarse, de volver a existir, Baby Jane es la muerte misma. Y encuentra en el pianista una solución, un vestigio de esperanza. Su hermana es un obstáculo, y debe por todos los medios acabar con él. Pero hay algo en ella que no le permite del todo cumplir y finalizar con su misión. La duda.

Lamia era capaz de quitarse los ojos ¿es posible que Shirley temple haya vivido la mayor parte de su infancia ciega? Casada con el mismo demonio, como lo estuvo Perséfona de Hades. En este punto todo es posible, una pequeña a la que le fue arrebatada la inocencia, para luego ser convertida en una especie de reina diabólica por el mismo ente que la rapto, sin ver siquiera el proceso metamórfico de su personalidad.

Jane resguarda dentro de si un eco de salvación, su ceguera por momentos conciente la hacen dar pasos certeros en el mundo en el que se desenvuelve con comodidad, pero por momentos tambalea, nunca lo vemos, pero lo percibimos, es por eso, que en el momento mas critico, cuando el pianista descubre que ella ha amordazado a su hermana paralítica y la tiene encerrada en el cuarto, intenta por todos los medios convencer al pianista de que todo puede terminar bien, y en vez de acabar de una vez por todas con la vida de su hermana, decide llevarla con ella, seguir a cuestas, porque sino estaría incompleta, faltaría una pieza.

La belleza suele asociarse la mayoría de las veces con la perversidad, no es casualidad que Síbaris (Lamia) y la misma Perséfona hayan caído presas de su propia belleza, y recibido un castigo por serlo, de la misma manera no es casualidad que una pequeña como lo fue Shirley halla recibido de parte de hollywood un castigo por su belleza y talento. Seguramente Dalí no pensó en Shirley como una doncella raptada, si no como un fenómeno cultural de una época que ansiaba más de una pequeña que fue llevada de la mano hacia el mismísimo infierno.

“En la diosa del mundo subterráneo Perséfona (esto es, la que destruye la luz), que los atenienses preferían designar con su nombre místico de Cora, se funden dos ideas distintas. En efecto, por una parte, como esposa de tétrico soberano de los infiernos, coincide con la significación de éste, y es un poder tenebroso y demoníaco que despiadadamente arrastra a todo lo viviente hacia los obscuros abismos subterráneos…Perséfona es la sombría soberana del dilatado reino infernal, cuyo trono ocupa al lado de su siniestro esposo, y habitar sus dominios como súbdito suyo les parece el más cruel y lamentable de los destinos. Mas, por otro lado, ella es también Cora, la encantadora hija de la mas bondadosa, generosa y rica bendiciones de todas las deidades, la madre tierra, y por tanto una personificación de la inextinguible fuerza impulsora de la naturaleza…” (Seemann, 1968 p.282)

Tanto Lamia, como Perséfona son símbolos de muerte, inevitablemente alrededor de ellas siempre estará la figura macabra de la muerte y todo lo que la rodea. Shirley se convirtió en la esposa de turno del mismísimo Hades (Hollywood), convirtiéndose así en la reina de toda una empresa que buscaba succionar como fuera a todos sus habitantes, ¿es posible que la imagen angelical de Shirley haya desaparecido por completo? Tal vez nunca desapareció, y shirley se convirtió en la victima ocasional. Dalí posiblemente pinto a Shirley como la pequeña mujer que debido a su belleza tuvo que sufrir el atosigamiento de una empresa que quiso succionarle su vitalidad, infancia y sangre por un simple motivo, el dinero. Shirley fue la victima, la doncella. Para luego convertirse con el pasar del tiempo en Lamia, un monstruo creado arbitrariamente por un sistema. La fama no fue su compañera de viaje por siempre, al igual que tampoco lo fue su belleza, luego que toda su energía fue arrancada, Shirley quedó en el olvido, y siempre será recordada por muchos, para algunos como la pequeña de los rizos dorados que divirtió a las familias con sus películas, para otros como la victima de ocasión, de una empresa que la convirtió en un monstruo por su talento.

Cuando Blanche moribunda confiesa a su hermana la verdad, Baby Jane es feliz, se ha liberado, consigue aquello que estuvo buscando durante tantos años, una manera de retornar al camino en el que la habían abandonado, por eso, no es de extrañar que su primer deseo luego de ser liberada, sea el de comer un helado. Blanche respira a cuestas, la mujer que vivía del reconocimiento, que se logra ver en las pantallas, que logró reunir el suficiente dinero para comprar una casa, y poder pasar el resto de sus días en comodidad, se sienta al lado de Hades, en un cenital que se va abriendo paulatinamente y nos muestra la otra cara de la moneda, el baile de la victoria, de la satisfacción, mientras hundida en la arena, apenas dos hombres representando la ley se acercan ante un cuerpo que no sabemos del todo si continuará vivo. Baby Jane ha logrado su cometido al igual que Shirley, ser recordada convirtiéndose en un mito.

Glosario simbólico de términos.

Arquetipo:

En primer lugar el arquetipo; según Villalobos, M (2004), es una epifanía, la aparición de lo latente a través del arcano: visión, sueño, fantasía y mito. Una manifestación de inconsciente que parece haber sido heredada de la psique y que a causa de ello, puede manifestarse en todas partes como un fenómeno espontáneo. Precisamente el arquetipo es una manifestación de las expresiones colectivas de la psique “que se encuentran presentes en el inconsciente de todos los hombres. Pero a nivel individual los arquetipos se evidencian a través de símbolos en las diferentes manifestaciones de la psique”. (Jung, 1991 p. ).

Símbolo:

Para De Silva (1995), el símbolo representa otra cosa por semejanza o convención; del griego symbolon: señal, objeto que sirve para identificación (se verifica la identidad comparándolo este objeto con su talón y contraseña); de Symbállein: echar juntos, reunir, comparar, contribuir. Pero un símbolo también presupone la formulación de un hecho desconocido, que se sabe existe, Villalobos (2004) nos dice, “el símbolo es universal, es trascendente. Es universal pues trasciende la historia, y es particular pues se expresa en la forma correspondiente a una época precisa”. Por supuesto el símbolo estimula al hombre tanto en su pensar y su sentir, como en sus sentidos y su intuición.

Mito:

Según De Silva (1995), el mito es un relato tradicional relativo a seres sobrenaturales, o a los antepasados o héroes de un pueblo; del griego Mythos: cuento, fábula, discurso. Por consiguiente los mitos sólo se entienden en relación unos con otros y formando un grupo unificado dentro de la cultura propia y peculiar de cada sociedad o de cada época. A través de la mitología, siempre el hombre buscó abreviar las distancias que lo separa del universo irracional. El mito busca superar este abismo, al mezclar todos los orígenes.

Calavera:

El significado de la calavera para los pueblos antiguos depende del atribuido por los mismos a la cabeza, esta, se considera un receptáculo importante de poderes. La calavera es la representación abreviada de la muerte y como esta alusión a la condición perecedera del ser humano. Actualmente, en aplicaciones algo banalizadas, es indicador de cualquier peligro mortal. (Revilla, F. 1995 p.79).

Muerte:

Fin de un periodo, pero especialmente cuando surge como sacrificio o deseo propio de destrucción. La fe cristiana subraya: La muerte es el nacimiento a la vida eterna. Los griegos la representaron en forma de niño negro, con los pies torcidos, a quien acariciaba la noche, su madre. La muerte también fue representada en forma humana, como momia o como un esqueleto animado, desde la época del gótico. (Revilla, F. 1995 p.284).

Mujer:

Corresponde, en la esfera antropológica, al principio pasivo de la naturaleza. Aparece esencialmente en tres aspectos: como sirena, lamia o ser monstruoso que encanta, divierte y aleja de la evolución; como madre, o Magna Mater (patria, ciudad, naturaleza), relacionándose también con el aspecto informe de las aguas y del inconsciente; y como doncella desconocida, amada o ánima, en la psicología junguiana. Son muy importantes ciertos símbolos en los cuales surge la mujer asociada a una figura de animal. La unión de elementos tomados de la figura femenina con la del león es frecuente en la iconografía. La participación de elementos morfológicos femeninos en símbolos tradicionales, como la esfinge, alude siempre al fondo de la naturaleza sobre el que se proyecta un concepto o una suma de intuiciones cósmicas. En consecuencia, como imagen arquetípica, la mujer es compleja y puede ser sobredeterminada de modo decisivo; en sus aspectos superiores, como imagen del ánima es superior al hombre mismo por ser el reflejo de la parte superior y más pura de éste. (Cirlot, J.E. 1997 p.320).

Cabeza:

Platón dice: “La cabeza humana es la imagen del mundo”. Leblant ratificó esta idea señalándola que el cráneo, como cima semiesférica del cuerpo humano, significa el cielo. Es evidente que se trata de una asimilación de la cabeza y la esfera, cuyo simbolismo de la totalidad es conocido. (Cirlot, J.E. 1997 p.119).

Rostro humano:

En si, el rostro simboliza, la aparición de lo anímico en el cuerpo, la manifestación de la vida espiritual, el rostro humano puede ser, seguramente, la más perfecta manifestación del mundo visible. (Cirlot, J.E. 1997 p.393).

La muerte:

Arcano décimo tercero del Tarot. Esta imagen presenta la conocida alegoría del esqueleto, pero aquí, contra lo acostumbrado, maneja la guadaña hacia el lado izquierdo, los huesos no son grises, sino rosados. El suelo esta sembrado de restos humanos, pero éstos, como en las leyendas y cuentos folklóricos, presentan los caracteres de lo vivo. La vida, en si, esta íntimamente ligada a la muerte, también la muerte es el manantial de la vida, no solo de la espiritual, sino de la resurrección de la materia. (Cirlot, J.E. 1997 p.319).

Murciélago:

En la alquimia occidental el murciélago tiene un sentido no desemejante al del dragón y al del ser hermafrodítico. (Cirlot, J.E. 1997 p.324).

Lamia:

Monstruo femenino en quien confluyen toda una serie de confusas y horribles leyendas. En su origen, Lamia era una reina de Libia de maravillosa hermosura, madre de muchos hijos. Zeus se enamoro de ella, y Hera entonces hizo que toda su prole muriese, a causa de lo cual Lamia perdió la razón y se retiro a lugares desiertos y misteriosos. (Bartra, A. 1982 p.111). Presa de la desesperación, se oculto en una cueva, en la que se convirtió en un monstruo, envidiosa de los niños de las demás mujeres, a los que espiaba para atacarlos (Martinez, F.C. 1997 p.360). Cuando dormía o estaba embriagada era inofensiva; pero una vez despierta se convertía en un vampiro que chupaba la sangre de los niños. (Bartra, A. 1982 p.111.). Como Hera la había vuelto insomne, Zeus le había concedido la facultad de poderse poner y quitar los ojos y de adoptar cualquier apariencia, a veces adquiriendo rasgos andróginos, capacidad de metamorfosis, aspectos groseros y siempre una insaciable sed de sangre; la Lamia se caracteriza por tener la leche venenosa, con la cual mata a sus propios hijos, y es tomada como un símbolo del mundo, que mata con las ilusiones del vicio a sus propios hijos. (Izzi, M. 1996 p.289). Lamia es un cuadrúpedo completamente cubierto de escamas, con rostro de mujer, zarpas en las patas delanteras y cascos en las posteriores, pechos femeninos y órganos sexuales masculinos. Se trata pues, de una expresión antigua del tipo de la mujer fatal. Por extensión se denominan Lamias ciertos seres afines a las sirenas y peligrosos como éstas.

La recepción por la tradición cristiana de creencias simbólicas semejantes, en que la belleza femenina se asocia a la perversidad, ha confirmado la secular misoginia del pensamiento eclesiástico, dañando la sensibilidad estética del pueblo: lo hermoso, grato, atractivo, pasaba a ser vivenciado como amenazador. (Revilla, F.1995 p.240).

Bibliografía.

Bartra, A. (1982). Diccionario de Mitología. Barcelona: Ediciones Grijalbo.

Cirlot, J.E. (1997). Diccionario de Símbolos. Madrid: Ediciones Siruela

Descarnes, R y Neret, G. (1998). Salvador Dalí 1904-1989. Roma: Editorial Taschen.

Gómez De silva, G. (1995). Breve diccionario etimológico de la lengua española. México: Fondo de Cultura Económica.

Izzi, M. (1996). Diccionario ilustrado de los monstruos. Barcelona: Ediciones Alejandría

Jung, C.G. (1944). Los complejos y el inconsciente. Barcelona, España: Editorial Altaya

Jung, C.G. (1991). Arquetipos e Inconsciente Colectivo. Barcelona: Ediciones Paidós

Martinez, F.C., Fernandez, E, Meleno, L, R. (1997). Diccionario de Mitología Clásica 2. Madrid: Alianza Editorial.

Revilla, F. (1995). Diccionario de Iconografía y Simbología. Madrid: Ediciones Cátedra

Seemann, O. (1968). Mitologia Clasica Ilustrada. Barcelona, España: Ediciones Ariel

Villalobos, M. (2004). Apuntadas. Cuaderno de Mitología Griega y Psicología Arquetipal. Caracas: Editorial Comala.Com.

MUERTE EN ALTO CONTRASTE ó Agonía en Baja Resolución.

2010-12-01T14:08:00.001-08:00

Leyendo la crítica de algunos dinosaurios del medio cinematográfico de Venezuela, uno no puede sino pensar en una renovación, no del cine, que ya ha dado sus pasos bien pisados en la actual cartelera nacional, sino del análisis cinematográfico, que clama incesantemente por una renovación, una voz que deje de ser tan complaciente y amiguera.

Me lo comentó una vez un estudioso del tema “En Venezuela no hay crítica”, en primer lugar creo que la crítica no se había dado del todo por la escasa producción, pero a una década ya por finalizar, es obvio que esto comienza a cambiar, ya sea por esos textos petulantes de algunos hombres de corbata, o por los comentarios críticos que cualquiera se puede encontrar al visitar un blog.

“Muerte en Alto Contraste” no es correcta, no es redonda, no se destacan ni la dirección de fotografía, ni la de arte, ni la música, ni las actuaciones, ni el sonido, ni el montaje; como alguien escribió por ahí. Como dijo el presidente Mexicano Luis Echeverría por allá en los 70: “Sino, Todo Contrario”. Carece de gusto, de concepto, de lógica. Sí, “Las caras del diablo” se arropa en su mal justificada carencia de dinero, “Muerte en alto contraste” logra el mismo resultado sin la improvisación y con todos los recursos.

Bolívar retorna a un campo del que pareciese, ya no se siente del todo cómodo, lo que había logrado con “Homicidio Culposo” lo destroza con los pies, en este Thriller Policial con subtexto político.

Más de una década ha pasado desde que este realizador pudo ver estrenada una película, con la cual no le fue del todo bien: “Rosa de Francia”. Y uno se pregunta qué fue de aquel hombre que logró planos tan hermosos en “El Pez Que Fuma” (DP) o de aquel que se tomó de un argumento tan patético (En buen sentido) en “Domingo de resurrección”.

Obviamente el cine de este realizador ha envejecido muy mal, pero en estas muestras, uno se encuentra aún con detalles que a pesar de todo te dejan un gusto, de no muy mal sabor.

Mirar al pasado a veces se convierte en una pedantería o en una muestra de resistencia al cambio, pero en el caso de Bolívar es casi obligatorio hacerlo, de la misma forma pasa con Chalbaud, De Pedro, entre otros. Pues son ellos los que nos han legado una cultura cinematográfica, aunque en el futuro, no les vaya del todo bien.

Es difícil encontrarse con material como este, en el sentido de que uno como comentarista, no sabe por dónde empezar, o qué hablar. Y es que todo merece su tiempo, su análisis o al menos una lupa cuidadosa, para cuidarse de no decir cualquier barbaridad y no quedar mal, pero vamos, que si fueron capaces de estrenar cosas como “Des-Autorizados” o “Amorcito Corazón” y hacer que gente, haya ido al cine a verlas, y pagar por ellas, creo que yo podría decir cualquier cosa aquí y estaría libre de todo pecado, y al menos se ahorran un dinero.

Hay que estar claros que aunque la RAE le haya quitado la tilde a la palabra “Solo”, puedo decir que SOLO uno puede ver una película como ésta y aguantarla con mucha fuerza de voluntad y fe. En ambos sentidos.

Un conflicto claro presenta el guión firmado por Los Varela y Bolívar, una venganza que se a venido alimentando por 20 años, tras una masacre causada por motivaciones políticas. El personaje de Wildpret, ha tenido el tiempo suficiente para armar un plan y así acabar con todos aquellos involucrados en la muerte de sus padres, y esto es lo que nos muestra la película, un hombre que debe terminar a como de lugar con una cúpula extrema que velaba ante sus propios intereses, mientras la lucha izquierdista de la época, intentaba lograr una batalla contra el gobierno de turno, entre las montañas y disfrazados de guerrilleros. Aquí tenemos el subtexto panfletario.

Más allá de esto, el argumento podría resultar interesante, pero no todo acaba aquí, el espectador debe ir descubriendo la fijación de nuestro personaje principal ante los encantos mal fotografiados de Norelys Rodríguez, el único personaje, con el que no se conecta el público, y si somos meticulosos, ni el mismo Wildpret se siente cómodo. Una historia colocada para vender, digo, un cuerpo y un rostro que aporta su nombre para lograr un éxito seguro en taquilla.

Al menos si uno sintiese que Rodríguez se la pasa bomba en cada escena, sentiríamos cierta simpatía por el personaje, y por la historia forzada de amor que empieza a nacer a medida que la trama avanza. Pero cada escena resulta tan risible y patética que da vergüenza quedarse sentando viendo como cada diálogo y emoción de cartón se va desbordando al visionarla.

Y la culpa no es de Rodríguez, sino de un personaje sin tridimensionalidad, mal dirigido, que no sabe como moverse dentro del espacio.

Su cuerpo se pierde entre el grano de la noche, ante una luz bucólica que emana de un baño, mientras uno se va deshaciendo en la butaca pensando ¿Cómo para qué? Si es que ni una teta. Y luego pasamos al contraluz, donde las figuras de ambos se besan, mientras en el fondo las camionetas de Sabana Grande captan más la atención, ante un diálogo mal digerido que dicta:Mejor empecemos aquí para evitar la incomodidad en la habitación. Si lo que querían era hacernos sentir incómodos, pues lo han logrado con creces.

Norelys Rodríguez se pierde en un mundo que no fue dibujado para ella, su personaje, carece de conexión, y me atrevo a decir, que las peores escenas de la película son protagonizadas por esta historia de amor. Para muestra, la escena del sushi, o esos planos de película erótica barata clase B, que se dejan ver ante las rendijas de un ventilador de techo ¿Dónde está la poesía del cuerpo ahí?

El personaje de Wildpret, va desbordando sufrimiento a medida que avanza la historia, y uno se pregunta si esa cara estática es una mezcla de “Elipsis” “Un lugar lejano” y “Des-autorizados”, y el personaje es un metatexto con piernas con lo cual el actor simplemente se está riendo de nosotros.

Es cierto que sus emociones varían mientras da vueltas por el piso a lo comando, o en la tradición de Seagal demuestra su flexibilidad pendiendo sobre los marcos de una puerta. Pero creo que el cambio gestual se debe, ante el esfuerzo físico que ameritan las escenas de acción.

Como te extraño Schwarzenegger.

Obviamente quien se roba los mejores minutos, en nuestro camino hacia la búsqueda del tiempo perdido es Juan Manuel La Guardia, el personaje más real, mejor actuado, aunque hierva por momentos en la sobreactuación. Un digno regreso para este actor, que estaba en vías de desaparecer de nuestro imaginario.

Un personaje que retrata la Venezolaneidad, y con el cual el público sufre la identificación correspondiente, y es que sino eres cómo el, al menos te le pareces o conoces de alguien similar.

Más allá que la venganza dentro de esta historia sea el conflicto real que mueve todos los hilos para que la trama vaya develándose, es en este Pepe Grillo moderno, donde recae toda la sustancia dramática de la cual debe estar conformado un personaje. Un pasado lejano y cercano bastante claro, un presente desolador y un futuro que no se vislumbra, y es ahí de dónde el personaje se engancha para intentar enmendar, lo que posiblemente no tenga solución.

El resto de los personajes son relleno puro, del mejor algodón y necesarios para el final. Algunos mejores que otros, otros particularmente estáticos.

“Muerte En Alto Contraste” define la primera película Ochentosa Venezolana grabada en pleno siglo XXI, su fotografía así lo define, noches azules al mejor estilo Monkey Island, escenas eróticas bañadas en el más tenue anaranjado rojizo, un grano en la imagen que nos hace recordar esas copias en VHS de la colección de la Cinemateca Nacional. Lo mismo podría hablarse de la dirección de arte, una apología al mal gusto, al peor, al barato. Al menos Malavé se sincera en sus escenas al mostrarnos las paredes sucias, y eso le da un tono realmente amateur. Pero aquí, un florero con cuatro flores artificiales rosadas, ante un fondo de persiana azul, en un Two Shoot de cafetín, nos habla acerca de que tan lejos está ésta película de ser realmente el magistral regreso de un cineasta.

Sin hablar claro, hasta de las fuentes usadas para tipografiar el título de la película. ¿Se acuerdan de esa serie tipo comando llamada “A-Team”? Cualquier coincidencia, es pura casualidad.

El montaje por momentos es correcto, en otros, simplemente ridiculiza más aun este nuevo formato de llevar “Crónica Policial” a la pantalla grande, abusando del efecto cromático y exponiéndolo ante un ojo que se pierde en una espiral, no como los créditos de “Vertigo”, sino como el agua que sigue su curso natural al bajar la palanca.

¿Quién fue el jurado del festival de cine de Mérida y Margarita? ¿En qué manos está el criterio estético, de lo fundamental del arte, en este país? ¿Todos los ácaros se han comido las famélicas hojas amarillas de las ediciones caseras de la “Critica del Juicio” de Kant? ¿O es que no había nada mejor que premiar, y en vez de declarar desierto tenían que resolver con que lo hubiese?

Es una lastima que el regreso de Bolívar no fuese con bombos y platillos, aunque eso es lo que nos hagan creer, pero nosotros ya no nos dedicamos a chuparnos el dedo y bajar la cabeza cada vez que alguien dice que el Mesías del cine nacional va a llegar.

Igual el intento de “Muerte en Alto Contraste” de posicionarse ante los éxitos de este año, tiene su merito, aunque al diseñador del Poster, creo que no le pagaron lo suficiente.

Daniel Dannery.

Dos Cortometrajes de Guillermo Zapata.

2010-11-05T14:56:00.000-07:00

Guillermo Zapata, español, es un realizador con mucha suerte, y talento.

Guionista de una de las series más vistas en España: "Hospital Central", tuvo la maravillosa idea de haber estrenado su primer cortometraje por Youtube "Lo que tú quieras oír" publicado formalmente en la web dedicada al cine Http://www.blogdecine.com.

El boom causado por el cortometraje, se debió a dos cosas: Youtube se convertía en una herramienta, más que de entretenimiento, en un armazón increíble que facilitaba el hecho de publicar los trabajos audiovisuales, para que no se quedarán engavetados y el resto del mundo, no sólo tus padres y hermanos, pudiesen verlo.

Lo segundo que "Lo que tú quieras oír" fue el primer cortometraje en habla hispana publicado en el hosting audiovisual, es por ello que "Lo que tú quieras oír" se encabeza como el tercero en la lista de vídeos más vistos; alrededor de más de cien millones.

Esto no lo hace un cortometraje fantástico ni nada por el estilo, es una historia simple, narrada con inexperiencia visual, y de un ritmo bastante lento.

Nos cuenta el encierro de el único personaje de la historia, luego de enterarse que su pareja la ha abandonado, y como, de esta depresión post ruptura, logra ingeniar una salida a su problema emocional.

El segundo, está mejor realizado, gana en un guión ágil y divertido, y nos muestra ese fantástico mundo del que están hecho los seres humanos: La insatisfacción. Presenta personajes bien dibujados, llenos de problemas y agobiados en el día a día, buscando una manera de salir de la abrumadora rutina, con un final abierto, quizás no, pero que te da esa sensación de haber vivido algo similar, o de estar a punto de caer en una experiencia parecida.

Ambos cortometrajes están escritos y dirigidos por Zapata, y aunque son historias bastantes sencillas, están cargadas de una atmósfera muy cotidiana, Zapata hace que el espectador se sienta parte de sus historias.

Lo que tu quieras oír. 2005.

Y todo va bien. 2008.

Daniel.

Dos Cortometrajes de MATEO GIL. España.

2010-11-05T09:44:00.000-07:00

Mateo Gil ha sido el habitual colaborador de Amenábar desde que cristo es cristo, o al menos desde que "Tesis" fundó las bases del cine de suspenso español. Los dos se aman, se quieren, se idolatran y hasta me atrevo a pensar que tienen un pasado amoroso, de esto no estoy seguro, pero mi mente ha armado una historia de amor muy bonita en la que un chileno buscando suerte en España conoce a un español que le gusta hacer guiones y luego de una noche de copas, que acaba en la cama, nace "Tesis". Pero no es más que supuestos.

De esta dupla han salido guiones muy interesantes, como el ya mencionado, los guiños a la ciencia ficción de "Abre los ojos" el BioPic dramático "Mar Adentro" o la épica "Agora", además por su lado, Mateo ha sido el adaptador cinematográfico de esa joya teatral que es "El método Gronhol", donde sale bien parado, y la no tan terrorífica "Regreso a Moira" ese telefilme que forma parte de la serie de terror española titulada "Películas para no dormir" donde ademas de Guionista es el director, porque Mateo, también dirige, y ya en el 99 se lanzó al ruedo con su primer largometraje "Nadie conoce a nadie" con el cual no le fue nada mal, y que pueden ver en Youtube.

Actualmente prepara lo que será su última película como Director-Guionista, "Blackthorn", un Western español (WTF?) que transcurre en Bolivia, y que protagonizan su actor fetiche Eduardo Noriega y nada más que Sam Shepard, pues eso hay que verlo.

Mateo tiene un curriculum realmente disimil en cuanto géneros se refiere, se pasa del suspenso al melodrama, y del melodrama, al Thriller, estos dos cortometrajes abordan la comedia, una comedia ¿Inteligente? por llamarla de alguna manera.

El primero "Allanamiento de morada" nos habla acerca de dos estafadores que disfrutan de lo lindo vendiendo enciclopedias a señoras incautas, (fenómeno que en Venezuela existió en algún momento, cuando los ladrones eran más inteligentes y menos violentos). Mateo recurre a un espacio muy claro, pocos personajes, donde el fuerte es el dialogo, y es que para mi, este señor es un grandioso dialoguista, y los dos cortometrajes son una muestra de ello. La comedia es muy sutil, y la ambigüedad de la historia crea cierta tensión que se mantiene hasta el final. Eduardo Noriega repite en equipo, y Amenábar compone la música.

El segundo "Di me que yo" es el causante de que yo, haya armado este post. Lo descubrí por medio de la revista "La Dosis", gracias a la recomendación de la columnista Albertina Méndez, y no fue después de haberlo visto que me cayó la locha sobre el realizador. Y para hablar del corto prefiero citar a Méndez: "Un polo jala, tratando de apropiarse de la persona, de su alma y de su virginidad, el otro quiere lo mismo; la consumación absoluta y plena. ¿Y así nos satisfacemos como humanos? ¡Que viva el egoísmo!." (LaDosis. #12. Sep-Oct 2010.)

ALLANAMIENTO DE MORADA. 1998

DI ME QUE YO. 2009

Di me que yo from Dime que yo on Vimeo.

Daniel.

CORAZÓN DELATOR, Ted Parmelee, USA. 1953.

2010-11-01T20:40:00.000-07:00

Primer dibujo animado en entrar en la clasificación X, por el British Board of Film Censores. Perdió el Oscar ante Disney con su Toot, Whistle, Plunk And Boom, no es por nada, pero la animación del corto de Disney entraba dentro de la receta de la época, lo educativo, junto a lo masonico, lo aparentemente inteligente, y bueno, otras bondades que la academia ponía en sus items de premiación. Y que nosotros de pequeños veíamos embelesados mientras nos sacábamos los mocos ¿Recuerdan ese corto donde a Donald le enseñan cuando los pitagóricos descubren la Octava Musical? Sí, educación de templo desde el televisor. Visto así, todo parece una gran conspiración de novela protagonizada por Robert Langdon.

Este cortometraje según he leído entra dentro de la categoría que muchos fans suelen tener: La de mejor adaptación. En lo particular, el cuento de Poe, ha sido uno de mis favoritos desde que lo leí por allá en el siglo pasado. Uno de esos cuentos que como Berenice, te hacen entrar en la piel de su protagonista, para descubrir la delgada línea que hay entre la cordura y la locura, y que a veces, cualquiera puede cruzarla sin darse cuenta, y caer inadvertidamente en se agujero negro que habita en cada uno de nuestros cerebros, esa demencia de asesino en serie televisivo que describe calle 13 en su Jhon, el esquizofrenico. Esa pequeña línea amarilla que te separa del vagón de metro, y que puede ser alterada cuando todos te empujan sin compasión al interior. Son esos momentos, los que te hacen dudar.

Y son esos momentos, los que te hacen disfrutar de un cuento como "El corazón delator."

Ahora bien, lo fantástico de este cortometraje, no proviene sólo de ser una adaptación de un cuento de Poe, el placer culposo presente, deviene en varias categorías, la segunda, que la narración en off, viene de la mano de James Mason, ese increíble actor que encarnaría a Humbert Humbert, en la "Lolita" de Kubrick, o que podemos ver al lado de esos monstruos como lo son Gregory Peck y Laurence Olivier en "Los Niños del Brasil".

Mason le imprime al cortometraje, esa atmósfera temible que puede hacerte sentir miedo real, con un tono de voz articulado y por momentos quebradizo, que se mantiene en una tensa calma, ese tono de voz, que Perkins tenía en su Bates.

Daniel.

LA LEYENDA DEL ESPANTAPÁJAROS, Marco Besas, España. 2005.

2010-11-01T20:16:00.000-07:00

Cortometraje seleccionado por la academia de los Oscar´s en su 79 edición. Realmente la historia no me mueve en lo más mínimo, pero debo reconocer que el trabajo de animación y la mezcla de estilos y los dibujos son realmente impresionantes, la labor de que este cortometraje se vea así, no recae en su director, sino en el dibujante y animador Carlos Lascano, un trabajo realmente brillante.

The Legend of the Scarecrow from Carlos Lascano on Vimeo.

Pueden revisar parte del trabajo de Lascano en su canal de Vimeo: http://vimeo.com/carloslascano

Daniel.

HASTA LOS HUESOS, René Castillo, México. 2002

2010-11-01T20:05:00.000-07:00

Al contrario del personaje de "El Músico y la Muerte" (Anterior Post) creo que yo no batallaría con "La llorona" para que me dejara un rato más en la tierra, siempre he tenido esa idea, que otros comparten, de que luego de la vida hay algo más, no sé sin un bar lleno de esqueletos, o un cuarto lleno de luces blancas flotando.

Este cortometraje de Castillo, nos habla acerca del miedo a la muerte desde la muerte misma, todo lo contrario al filme de Benés, que nos habla de miedo a la muerte, ante la posibilidad de morir.

Los fantástico de este filme, es lo rico en cultura que demuestra, desbordando en cada uno de sus planos un amor por la tradición mexicana que emociona, y hace del visionado de esta hermosa obra, un placer en todo sentido, hasta ese momento maravilloso, en que la muerte le canta a su victima.

Sobre el director podrán encontrar una entrevista en el siguiente enlace.

http://www.golemproducciones.com/prod/renecastillo_may02.htm

Hasta los huesos
Cargado por pixeltoo. - Ver más videos de comedia.

Daniel.

EL MÚSICO Y LA MUERTE, Lubomir Benés, Checoslovaquia. 1984

2010-11-01T19:49:00.000-07:00

Checoslovaquía dio a luz, a lo que sería la contra imagen de Ray Harryhausen, el multifacetico Jan Svankmajer. Para nadie es un secreto que este país ha parido una gran cantidad de cineastas, que aunque desconocidos han fundado bases en cuanto a criterios estilisticos se refiere.

Lubomir Benés, es uno de estos animadores desconocido por muchos en este lado de la tierra, pero todo famoso en su checoslovaquia natal, creador de dos personajes Pat & Mat, que le han dado la vuelta al mundo, y han sido del disfrute de las familias checoslovacas desde los años 70.

Este animador checo, fallecido en el 95, nos dejó ésta maravillosa animación que en checo se lee al menos de esta manera: Muzikant a Srmt.

Para mi, una fantástica reformulación de la visión enclaustrada de la muerte, y una forma de comprender culturalmente dicha representación dentro del imaginario, una forma además de vencer a la parca a través del arte, pero donde la misma muerte no se siente derrotada sino satisfecha. Una visión claramente occidental del fenómeno humano que todos intentamos evitar y que por el contrario en otros lados algunos festejan (México, por ejemplo).

Sin más:

Daniel.

EL PIANÓGRAFO, Eduardo Brenes, Costa Rica. 2008

2010-11-01T19:40:00.000-07:00

El director es un Costa Ricense graduado en la Universidad de Veritas, que cree y confía en su capacidad de narrar historias, y obviamente tiene un talento que se desborda en su capacidad creativa para la animación digital.

Realmente, información sobre el cortometraje encontrarán en Google, aquí lo dejamos guindado, y sólo puedo agregar que me ha gustado.

Si quieren leer algo, un articulo del director sobre el cortometraje, y una breve reseña de su vida, está publicado en el siguiente enlace: http://www.veritasimagen.net/articulo1.html

Daniel.

Carlos Reygadas y su Luz Silenciosa y algo sobre el Nuevo Sine en Venezuela.

2010-10-03T07:26:00.000-07:00

Nota antes de la lectura:

Como mi ignorancia es tan grande, y soy un idiota por partida doble, investigué un poco más sobre el tema luego de haber escrito éste comentario analítico sobre "Luz Silenciosa". He descubierto que México tiene la mayor población de Menonitas a nivel mundial, y me he lanzado un puñal, sobre tan extraña postura religiosa. Ahora puedo entender un poco la concepción ideológica de Reygadas en este filme, a parte de esto, mi postura en el siguiente escrito, sigue siendo la misma.

CARLOS REYGADAS Y EL SILENCIO.

El Hollywood Reporter escribió de ésta película lo siguiente:

“Luz silenciosa se queda grabada en la memoria.”

Hollywood Reporter.

Y yo aclaro que esto ocurre, y no tengo dudas de ello, pero sólo por dos razones:

1.- Porque no sabes si sufriras de una apoplegia después de haberla visto, o

2.- Porque seguramente has sido victima de una lobotomia practicada por extraterrestres de descendencia Mexicano-Holandesa, en mitad de la proyección.

Yo soy un amante del a veces mal llamado "Cine de autor", en otras palabras, digamos que no es que me gusta unicamente todo lo que viene de Holywood, pero tampoco alabo todo lo que hace cualquier hijo de vecina con una cámara de video, un rollo de papel aluminio y la novia de turno. Antes de someterme a más de dos horas de sufrimiento con una película de "Autor", prefiero perder mi tiempo viendo pornografía, quizas por eso (por haber pasado 3 años de mi vida masturbándome frente al monitor) es que llego tarde al visionado de "Luz Silenciosa" o su título en original "STELLET LICHT" (Carlos Reygadas, 2007.)

Para mi, Reygadas no es un desconocido (No es que sea mi primo), ya tuve la fortuna hace un tiempo de ver "Batalla en el cielo" (2005) maravilloso ejercicio narrativo y técnico, con el cual quedé sumamente encantado, y motivado, en un sentido empírico, pues resultó ser una de esas películas que te dejan con la sensación de querer hacer cosas que se le parezcan, romper con el tradicional MRI, y entrar en un juego mucho más personal, experimental y carnal. Una pasión, que sólo pocas películas han logrado ese efecto en mi. Y "Batalla en el cielo" fue una de esas.

Era obvio entonces, que mis expectativas con "Luz Silenciosa"; su último trabajo hasta la fecha (Creo), estuviesen como burbujas de agua hirviendo, en tiempo de ebullición y que esperara encontrarme con otra obra maestra de este Abogado-Cineasta Mexicano.

El error fue mio. Y sé que los otros De-Generados que colaboran en este Blog, estarán de acuerdo conmigo en eso, porque se de uno que al menos si le debe gustar ésta película.

Claramente "Luz Silenciosa" tiene el sello Reygadas que a mi me fascinó de la ya comentada "Batalla..." una obsesión matemática para montar un decorado simétrico a la perfección, dentro de un encuadre que en apariencia es improvisado, y que juega por momentos a una cámara participativa, narrativa y testimonial, lo que le imprime un carácter documentalista, casi antropológico a una historia, que no va más allá de la ficción que está narrando, pero que ubica a sus personajes como una serie de objetos sin vida, sin sonido, sin luz. Personajes vacíos de emoción por momentos y que cuando se atreven a demostrar lo que realmente están sintiendo, mueren consecuencia de su propia autocensura.

La fotografía ayuda a afianzar esta melancolía impresa sobre todo en el filme que nos compete, luces lavadas y saturadas, falta de continuidad fotográfica en una misma escena, lo que le imprime un carácter amateur, pero que está hecho con toda la intención, al igual que el registro sonoro, supuestamente capturado en directo con la cámara.

Todo planificadamente sucio, para convertir al espectador en un voyeur.

(No recuerdo que en la película existiese música incidental, pero estoy casi seguro, que muy al estilo dogma la música provenía de algún elemento dentro de la trama, por lo tanto, este trailer, me parece que vende la película de otra forma.)

Lamentablemente para mi, la técnica se agota y la anécdota de "Luz..." se queda en eso, y me doy cuenta que resulta más loable e interesante buscarle un significado analítico al filme, que verlo. Me sincero y de no ser porque tenia acompañante cuando la vi, ó hubiese huido de la sala, ó me habría quedado dormido.

Le comentaba a esta persona, que cuanta razón tenía Field en su manual del guionista, una película sin un conflicto realmente claro, no es película. Y aunque "Luz Silenciosa" tiene conflicto poético, parece un cliché, pero siento (No es que lo crea, ojo) que ese lirismo cinematográfico alcanzado en la Nouvelle Vague, debe actualizarse. Creo que "Batalla en el cielo" lo logra con creces. Pero para mi "Luz Silenciosa" queda en el silencio, se torna repetitiva, y hasta aburrida.

Pero como dicen mis detractores, yo de cine no sé un carajo, y este post sirva para que visualicen toda la obra de Reygadas, las dos ya antes mencionadas y su opera prima "Japón" (2002), de esa manera puedan sacar ustedes su propias conclusiones.

SOBRE EL NUEVO SINE o DE COMO VER SEMEJANTE BODRIO ME HACE PENSAR EN EL BODRIO NACIONAL.

Lo cierto es que me incomoda, que una película como esta, claramente proyectada en una sala de "Arte y Ensayo" llegue con tres años de atraso, mal proyectada, en una copia pirata que se puede conseguir en cualquier puesto de quemaditos, y sea parte de una programación, ¿Dónde quedaron las alianzas con las embajadas de otros países que no sean Francia y USA? En este caso México o por qué aún no hemos visto nada del "Nuevo Cine Chileno", los trabajos de Matías Bize por ejemplo, o Sebastián Campos y Fernando Lavanderos.

Y además sepan ustedes, burócratas del medio, que en las escuelas de cine de este país, se hacen cosas de igual calidad, técnica me refiero, Je. (No por despreciar a Reygadas), igual de pensadas, igual de experimentales y poéticas, y cargadas de pasión y talento, que no tienen que comprar en un puesto de buhoneros por 8Bsf, (O poniendo a la secretaria de turno a bajarla por internet) para pasarla en una sala cobrando 3Bsf.

Que nosotros se las damos gratis, y cobren igual lo que quieran.

Que ya hemos batallado y logrado que sonido, fotografía y actuaciones, estén a la par de cualquier producto del "Nuevo Cine Chileno", y que latinoamerica podrá ser muy unida, pero ustedes que se hacen llamar los hombres de la igualdad, no han pasado por el primer salón de clase (Pluralidad, no me vengan Bolivarianismos) ofreciendo espacios para la proyección del "Nuevo Cine Venezolano".

No ese que se hace llamar guerrilla, pero que tiene acuesta no sé cuantos miles de dolares en su realización, ese verdadero cine que se hace con la uñas, sin un centavo, aprovechando los recursos, y que si se trata de hablar de dólares, y llenarse la boca con billetes verdes, sólo han costado entre 100 y 400$ (A lo sumo, y pagados en mercado negro, perdón, paralelo).

Y que déjense de huevadas de creer que como son estudiantes no tienen nada que ofrecer, porque ya quisieran tener ustedes el talento de muchos de los que estudian Artes en la UCV. (D repente me invadió un sentimiento de pertenencia que no había experimentado en casi 7 años).

Siento que es hora, aprovechando este boom mediático que hay con el cine venezolano, ese cine que gana premios en cualquier lado del mundo, ese cine que ha hecho "Conciliar" al espectador con el cine nacional, de poner a ver al venezolano todo lo que se hace desde "Barrio sin Ley" (José Rafael Abreu) hasta el CORTO de más baja calidad realizado para una materia. Porque de esa manera, se jugaría realmente a crear una industria que no quede estancada durante 20 años más por la carne nueva que se convertirán, indudablemente, en los dinosaurios de turno en un futuro no muy lejano.

De esa manera creo yo, optimizaríamos los resultados de ir cosechando un verdadero espectador modelo, ese que paga una entrada por ver cualquier basura Made In USA, rellenando cartelera.

Acostumbremoslo a ver también nuestros cachivaches, y ahí de verdad tendremos a un ser que podrá argumentar con gusto y sapiencia, en qué estamos fallando y qué debemos repetir de las cosas buenas.

Ustedes que se hacen llamar los Santa Claus de la Cultura, comiencen a hacer regular un espacio dentro de su programación para este tipo de "Nuevo Sine".

Que no sea un Plus, o algo especial para una vez al año como eso vende-paga de "Reestrenar al cine nacional" sino que sea un espacio constante y diario.

-Tono Irónico- ¿No tienen los espacios? ¿Por qué no los usan de verdad pues?

Y si quieren empezar con una, aquí les tenemos "El País de Abril" (2010, Tesis de Grado. UCV.) de Rober Calzadilla, por ejemplo.

EXTRACTO "El País de Abril"

Sara Valero Zelwer. Demo from Rober Calzadilla on Vimeo.

Daniel.

The Horse Whisperer, Robert Redford, 1998

2010-09-30T16:01:00.000-07:00

Para mí, Robert Redford creía que The Horse Whisperer(1998) iba a ser su Bridges of Madison County(Clint Eastwood, 1995). Para mí, por supuesto que no lo es. Es más cursi y más cerrada.

Mi premisa es no venir acá a hablar mal de nada. Si se me cuela algún comentario negativo espero que nunca tenga el papel protagónico. Simplemente es que mientras veía anoche la del Robert, olisqueaba ciertos paralelismos con la del Clint. No me consta que esa haya sido la intención de Robert Redford, ni siquiera lo sospecho en serio. Por una parte, está basada en una novela, no es una idea suya. (Lo mismo pasa con la de Clint Eastwood, a lo mejor el vampirismo ocurre en otro nivel en el que ambos son inocentes) Por otra parte están muy cerca en el tiempo, y comparten el patrón del director-actor-héroe silencioso maduro. Clint se quita el sombrero de vaquero, Robert se lo pone.

Claro que quién se va a dar cuenta de nada con esa flor a punto de abrirse que era la pequeña Scarlett Johansson entonces. Música para mis oídos es el contrapunto que se da entre la voz de Robert Redford y de la pequeña Scarlett. Ver la escena en que van juntos ellos dos en la camioneta que ella maneja con temor. Scarlett y su caballo terminan siendo una especie de sidekick de la historia de amor, pero a la vez me parecen genuinas metáforas que se dan la pelea entre la fragilidad y la fuerza, proyectándolas en personajes en las que ciertas cualidades resultan más familiares y cómodas de percibir. Sentí eso en dos momentos. En la escena en la que Scarlett se quiebra frente a su madre en la cabaña y pregunta algo así como: "¿Quién me va a amar estando así?" También en la escena en la que Scarlett va a escondidas al establo y se enfrenta al caballo, Pilgrim, y ambos sienten la tensión que los une y los separa.

En fin, Robert Redford no hizo otra vez Los Puentes de Madison, pero el mundo descubrió a Scarlett Johansson. Gracias, Robert.

Pedro.

Acerca de Chris Sanders, principalmente.

2010-09-28T14:19:00.000-07:00

El resurgimiento de Disney en la década de 1990 con una nueva serie de clásicos exitosos que comenzó con La Sirenita en 1989, tiene una relación parecida a la del huevo y la gallina con la frescura que entró a los proyectos de la compañía de la mano de creadores con un mundo propio y un discurso a veces más, a veces menos distinto de la rígida estructura que durante muchas décadas funcionó tan bien pero que a pocos años de la llegada del nuevo milenio necesitaba dar un giro. Para mí, el caso cumbre y paradigmático de esto que estoy tratando de explicarme a mí mismo y a quien pueda interesar, es Lilo & Stitch (2002) y del genial Chris Sanders. Mucho se ha criticado ideológicamente y en su funcionamiento a la compañía Disney. Mucho se le ha comparado con sistemas personalistas y económicos que no vienen al caso y yo no me corresponde a mí condenar o defender el behind the scenes de toda esta fantasía. Yo, personalmente, me quedo con el behind the magic. Pero para mí es una satisfacción y me parece que es la manera de hacer las cosas, que Disney, en la posición en la que se encuentra, funcione como una plataforma que haga posible que un mundo como el que ha creado Chris Sanders en toda su carrera encuentre escenario en un clásico animado.

Advierto que todo lo que digo se refiere al Disney 2D. La complicada relación de Disney con Pixar es otro tema.

Chris Sanders comenzó su carrera en Disney, elaborando trabajo conceptual para La Bella y La Bestia (1991), dentro del período que nos compete en este momento. Esta apertura que, según mi humilde teoría, se permitió Disney en esta época, permitiría que Chris Sanders llegara a donde llegó más tarde, muy distinto de lo que pasó con Tim Burton, que, para bien o para mal, sólo volvió a relacionarse convenientemente con Disney cuando había alcanzado la fama por su propia cuenta, a pesar de Disney, a pesar de WB. Pero eso es otro tema.

También Chris Sanders es Chris Sanders y su terquedad artística (no le estoy inventando ninguna personalidad conflictiva a Sanders, no lo conozco) lo dejó equilibrar su trabajo como un artista al servicio de un sistema de producción con la elaboración de un mundo personal tanto en un nivel narrativo como visual. Es un artista con un talento maravilloso tanto para el dibujo y el diseño de personajes con una firma inconfundible como para crear un mundo ficcional en el que colocarlos y hacerlos moverse a sus anchas. De una idea del propio Sanders y de su alianza con Disney nació Lilo & Stitch. Es el trabajo más conocido de Sanders, conozcan o no el nombre de su creador. Pero más allá de eso, existe una cantidad de trabajo visual y narrativo de Sanders fuera del cine y fuera de Disney que vale la pena rescatar. Es de este mundo de erotismo, malicia, contemporaneidad y ciencia ficción de lo que impregna a Sanders a uno de los últimos clásicos de animación tradicional, en dos dimensiones, de Disney. Por más ciencia ficción y extraterrestres que tenga, a mí Lilo & Stitch me resulta mucho más identificable con lo que vivimos como humanos que muchos clásicos de Disney. Chris Sanders trabaja su imaginación dentro, entre, encima y no fuera de lo inmediato, y maneja una mezcla de sensualidad, ternura y actitud en unas proporciones que resultan atractivas a un público aquí y ahora. Y Disney parecía haberse quedado en el aparato. Las audacias de un Tex Avery, por ejemplo, no consiguieron entrar nunca en la torre de marfil de Disney. Y las heroínas de Sanders recuerdan, después de desarrollarse, a las esbeltas y fatales figuras de Tex Avery o posteriormente de John Kricsfalusi. Nada más imaginarse qué hubiera sido de La Sirenita si la hubiera hecho Chris Sanders.

Revisen su trabajo, es maravilloso. Revisen su comic Kiskaloo, es genial, una especie de Calvin y Hobbes + Lilo y Stitch llevados un paso más allá en la acidez. Ahí pueden ver también su dominio narrativo. Disfrútenlo.

Pedro.

Blogs Recomendados: The Magic Behind The Magic

2010-09-28T12:59:00.000-07:00

Este es un blog hecho de puro entusiasmo por todo el proceso previo a las maravillosas imágenes que-no-parecen-creadas-por-el-hombre que vemos en los clásicos animados de Disney. No parecen creadas por el hombre, fueron creadas por cientos de artistas anónimos que dejaron horas de su vida en esto. Muchos de estos trabajos son desechados y jamás vistos por nadie. Así funcionan las cosas y está bien. Pero aquí hay un extra: los amantes de Disney y de la animación en general, que nunca pueden tener suficiente de esto, tienen una inmensa cantidad de material que ver y muchas sorpresas que llevarse. Y para el que tenga la ilusión de trabajar en algo remotamente parecido, aquí se puede llevar una idea de cuánto hay que recorrer desde el primer impulso creativo al producto terminado. Esta es la magia detrás de la magia. Fuckyeahdisneyconcept, firma este Tumblr, en la tradición de cientos de otros tumblrs que también exclaman "fuckyeah", simples imágenes que calientan pero no cocinan la curiosidad y el fetichismo. Disfrútenlo.

http://fuckyeahdisneyconcept.tumblr.com

Pedro.

Blogs Recomendados: Old Hollywood

2010-09-28T12:50:00.000-07:00

Más allá de dejar un simple link por algún rincón, quiero recomendar especialmente este Tumblr que he venido siguiendo por un buen rato ya y que es una maravilla. Impelable para cualquier amante del cine, de verdad. Se trata más que nada de cosas antiguas y legendarias del monstruo de Hollywood, como lo indica el nombre. Pero no se limita a eso. De vez en cuando joyas desconocidas del cine europeo, por ejemplo. Curiosidades antiguas. Muchas citas reveladoras de estrellas que uno pensaba que no tenían nada en la cabeza, y de ya reconocidos artistas del celuloide. Mucho Hitchcock por ahí. Mucho espacio ocupa lo que se llamó el Cine Clásico, pero se pueden encontrar rastros mucho más recientes. Imágenes muy buenas y además una selección de música relacionada con cine que puedes escuchar de un sólo tirón. Excelente contenido, excelente interfaz. No lo pelen. Además hay muchos links a películas enteras en streaming que ya pertenecen al Public Domain.

http://oldhollywood.tumblr.com/

Pedro.

D O T

2010-09-28T12:30:00.000-07:00

Esta animación ya está circulando por todas partes. Me parece que no puede faltar aquí, el blog de los descubridores del agua tibia.

Los animadores de stop motion, son una subespecie en el mundo de la animación. La animación es para Doctores Jekyll y Señores Hyde, una cuestión bipolar de energía y paciencia en el equilibrio exacto entre el niño y el adulto. Eso es un ideal, digo. Mi punto, si es que puedo dejarlo claro, es que los animadores de stop motion parecen tener una fascinación especial por lo difícil. En esa búsqueda jamás ha faltado la poesía y por eso, en un mundo tan agitado como el de hoy, sigue existiendo en esferas comerciales (no hay que ir muy lejos, recuerden Fantastic Mr. Fox de Wes Anderson) y no tan comerciales (festivales, comerciales, videos musicales).

Otro factor que influye en su auge es que se presta muy bien a la experimentación, y puede llegar a ser un trabajo muy intuitivo y económico. Para unos es una pasión. Para otros un buen comienzo.

En el caso de este trabajo que rebotamos y compartimos aquí, se trata de un "simple" teléfono celular, cuya cámara tiene una tremenda resolución, a juzgar por la definición con la que reconocemos ese mundo tan pequeño. Mucha imaginación para crear un mundo de aventuras con los objetos pequeños y cotidianos. Nada es creado excepto quizás la muñequita del personaje principal. Puro reordenamiento de la realidad. Collage animado, como lo llama Jean-Charles L'Ami, quien trabaja esta técnica desde hace ya años aquí en Venezuela y con quien he tenido el gusto de trabajar. Atentos a su trabajo.

Pedro.

Fred Astaire, by Iri5

2010-09-28T12:24:00.000-07:00

Hecho completamente a partir de película usada de 8mm.
Miren el resto del trabajo de Iris, va en la misma onda y es genial.

Pedro.

Gunter Brus.

2010-09-12T21:14:00.000-07:00

Gunther Brus

2skTv | Video de MySpace

Gunter Brus, caníbal de su propio cuerpo.

De-constructor del arte cute.

Ferviente consumidor de la lascivia.

Provocador.

A pesar de no estar vinculado directamente con el audiovisual, su compromiso con el performance y sus variantes del happening, recuerdan el manifiesto futurista.

Lo cual de alguna manera resulta ejemplificador del cuadro en movimiento (Leiv Motive Lynchiano) este dogma artístico es, y debe ser el parangón del cineasta actual (Korine, Von Trier, Lynch, entre otros.)

Daniel.

HERMANO: Un debate entre el cine de género y el personal.

2010-08-02T11:55:00.001-07:00

Esto, son una serie de comentarios armados en base a las preguntas que el periodista Alexis Correia, ha hecho para armar su articulo sobre "HERMANO" en el diario "El Nacional" de fecha 02/08/2010.

Hermano (2010, Marcel Rasquin, Venezuela) destaca por una estructura tres actos comprensible, fácil de asimilar, que te involucra de lleno en la historia que estás viendo sin caer, a simple vista, en moralismos o mojigaturas, que no las cree nadie.

Su discurso se maneja de la misma manera; como se manejaría cualquier película norteamericana, de tocar un tema similar. Es por ello que se le hace fácil al espectador poder sentirse identificado con ella, no necesariamente en vivencias personales, sino en el vinculo que debe crearse entre la historia y el que la percibe (Una recepción amplia, un mensaje manejado), mantener la atención, y no pecar en mostrarnos a un narrador que está continuamente intentando mostrar su mano, su rostro o peor aún, su nombre.

Es una gran muestra de un cine de autor manejado comercialmente, sin caer en academicismos incomprensibles del todo intelectuales.

Entonces, ¿Hace falta un cine de género en Venezuela?.

El critico Ricardo Azuaga, comentaba en su columna "El dedo en el Ojo" con respecto a Hermano:

(Hermano)..."es heredera de una historia muy explotada por el cine de Hollywood y pocas veces usada en Venezuela: la del deportista joven (en este caso los dos hermanos) que busca en su disciplina el ascenso social y alguna redención. En EEUU, el éxito más reciente es The Blind Side (2009)."

Existen varios problemas en el cine nacional que no se han resuelto.

La primera, que los realizadores han optado por hacer un cine muy personal, esto es un arma de doble filo, y habla acerca de un estatus de ego que resulta pedante (Des-autorizados, 2009, Elia Schneider), obviamente este punto, hace que el espectador no se identifique, emocione, o canalice lo que ve, ya que se está proyectando una serie de elementos muy propios a los cuales el espectador común y corriente no está acostumbrado.

Pensemos por un momento, cual es el cine que el venezolano promedio va a las salas a ver? Obviamente el cine norteamericano, que simplifica el acto de entender, pero que no deja de lado un desarrollo moral, que a veces no es del todo obvio pero que se hace fácil de asimilar, bajo una formula mágica, que no se agota, pero que es una receta practica y con la cual se puede hablar de casi todo: Chico conoce chica, chico es separado de chica, chico lucha por chica, chico termina finalmente con chica.

Por otro lado, cuando a cine de autor nos referimos

¿Quiénes son los que están a las afueras de cada festival italiano, francés, húngaro...? esos mismo creadores, que están satisfaciendo una necesidad inspiradora (A veces).

Pero el arte no debe ser algo por completo individualista, el arte, es ante todo, un eslabón en la cadena del conocimiento y el aprendizaje, y el cine entra dentro de este estatus. Es un tema tan complejo, en el que se puede hablar hasta de cómo se usan ciertos elementos técnicos que pueden funcionar con el manejo adecuado, pero que fallan por una mala visión del mismo. Ejemplos claros lo son: Pura Joyitas. (2007 Henry Rivero y César Oropeza) y La virgen negra. (2008, Ignacio Castillo Cottin).

Obviamente hay un problema claro en las estructuras de nuestros guiones, y esto no es más que una prueba de que nos falta una industria real cinematográfica, donde el guionista sea el guionista y el director, el director, ya después de eso, después de aprender a cabalidad el manual del guerrero que es no es más que "El viaje del héroe" pueden salir a flote todas las pedanterías que se puedan, ahí está Francia o Alemania, la misma USA.

Entonces sí, creo que hace falta en el país un cine de género(*), mostrarle al espectador lo que somos realmente capaces de hacer, con lo que ya inconscientemente ellos están acostumbrados a ver, para luego, comenzar a sorprender del todo. Es una etapa de crecimiento. De ahí derivó el éxito de nuestro cine en los 70, el problema, es que el contexto ha cambiado, el mundo, el país ha cambiado lo suficiente.

Las estrategia de mercadeo depende de las causalidades. Y de cómo se planteen.

Hermano ganó un premio, creó expectativa, gustó, y se empezó a dar el boca a boca, todos comenzaron a hablar de ella, (Todos hablan, más no todos la han visto, Hermano aun no supera, y esta muy lejos de superar el éxito de taquilla que impuso Secuestro Express. (2005, Jonathan Jakubowicz.)

Subhysteria. (2009, Leonard Zelig) Se vendió cómo la primera película venezolana impr

ovisada (Aunque ya en un articulo anterior de este blog, he comentado que para mi no es una película venezolana), creó expectativa, algunos las amaron, otros la odiaron, se empezó a dar el boca a boca, y bueno esta es otra historia.

Obviamente el truco está en que se venda la película como algo único. A partir de ahí ya depende del gusto, y como decía Andres Caicedo "El gusto es una aberración".

¿Pero qué está pasando ahorita con una película tan grandio

sa cómo Cheila, una casa pá Maita. (2009, Eduardo Barberena, ganadora de los premios gordos del festival de cine de Merida? ¿Es que acasos nuestros festivales no tienen la misma importancia? Tenemos una prueba clara de alienación nacional, pero ese... es otro tema.

¿Dónde está la publicidad de Cheila? Se quedaron en la nota de vender la película por puro trailer, y sabemos que eso ya en estos tiempos, no es del todo efectivo. ¿Por qué tocando una temática como lo es la homosexualidad, no llamaron a una marcha GLBT para promocionar la película en las calles de Caracas? ¿A quién le importa entonces? Y es una lastima que el público no vaya a verla, sabiendo como es de intolerante el Venezolano real con estos temas, incapaz de comprender del todo.

Entonces el problema radica básicamente en tres puntos: Hace falta un cine de género, basta de pedanterías intelectuales que no las entiende ni el cónyuge del realizador (a). Revisar A Fields, McKee, y a Homero, su Iliada y su Odisea, y comprender cómo se debe narrar una historia sin aburrir y sin redundar.

Vender el producto, como lo único grandioso para lograr atrapar al espectador, a partir de ahí, ya se sale de las manos, hay que depender del gusto.

(*).

Justamente en estos días, luego de un gran maratón de películas Serie B y Z, pensaba que podría ser tan fácil incursionar en el cine de terror en nuestro país, muchos hablan que los gringos son una sociedad enferma que cultiva depredadores para si mismos. ¿Y no tenemos en Venezuela actualmente los mayores indices de muertes violentas? ¿El espectador no paga y agota taquillas con películas tan malsanas y pervertidas como Saw o Las colinas tienen ojos?... Al venezolano le gusta la violencia, está acostumbrado a ella. Es una mentira ese lugar común del espectador que habla de nuestro cine siempre con los mismo adjetivos, o las mismas justificaciones, eso del sexo, el lenguaje ordinario, o la historia de malandros.

Si es así ¿Por qué no están cansados de ver a mujeres desnudas en películas de terror, o de ver al policía insultando constantemente al ladrón, o de ver las películas de ladrones que planifican robos? Obviamente es un problema de enfoque.

El cine de género creo que es el camino. A partir de ahí todo se puede dar. No hace falta ir a ver a un asesino serial de otro país, cuando nosotros pasamos al lado de alguno de ellos todos los días por la calle sin saberlo. O es que acaso ese afán del espectador por ver el sufrimiento ajeno no fue lo que hizo que en sus día ¿Macú, Cangrejo o Soy un delincuente? tuviesen el éxito. ¿Dónde está la película en este momento sobre Linda Loaiza y el "Inca" Valero?. ¿El cine nacional quiere trascender y tener éxito?

Hay que comenzar a vender historias espantosas, con finales esperanzadores, o historias esperanzadoras, con finales pesimistas.

Por cierto este Poster es de la nueva película de Jim Sheridan, casualmente, se titula igual que el drama de estos dos futbolistas, lo que me llama la atención, y lo que me causa cierta gracia, es que podría pasar por un remake, en donde los Guionistas, han cambiado el balón por una siempre hermosa Natalie Portman.

Daniel.

Bread & Alley 1970 نان و کوچه

2010-07-10T21:38:00.000-07:00

Raúl Perrone y el cine independiente

2010-06-18T06:49:00.000-07:00

A continuación una nota de entrada de Raúl Perrone en su sitio:

www.raulperrone.com

¿Qué puedo decir sobre el cine independiente que no se haya dicho? Recuerdo que me gustaba leer en diarios y revistas la palabra “indie”. Sentía que quería hacer películas con el mismo espíritu que los músicos que hacían rock en un garage...

Hoy, unos catorce años después, me causa un poco de gracia leer que hablen de algunas películas diciendo que son “ independientes”, cualquiera dice que hace cine independiente y no tiene el mismo valor que antes, Son rótulos que se ponen, como “cine de culto”, el Dogma o la estupidez del momento. Son pretextos para poder escribir y hacer notas, pero el chiste se agota y al final no quiere decir nada. La palabra “independiente” está absolutamente vapuleada y no sé si siquiera genera respeto. En definitiva, creo que uno tiene que hacer lo que tiene ganas y la independencia es eso, hacer lo que uno tiene ganas, lo que uno quiere y puede sin limitaciones. El resto es marketing.

Muchos dicen que hacen cine independiente y lo hacen con un montón de plata, ¿entonces cuál es el límite? Porque la independencia a esta altura del partido no tiene nada que ver la plata., La independencia esta en la cabeza,esta en uno.

Hacer cine independiente ha cambiado mucho. Está muy bien que la tecnología vaya derribando mitos, aunque algunos se dieron cuenta un poco tarde. Pero bienvenidos todos al paraiso digital, (ja) al del video

... además, en definitiva, ¡la gente no sabe lo que es el cine independiente! Uno no le pregunta al vecino si vio algo de cine independiente. La gente no habla en esos términos, como los cinéfilos,criticos o intelectuales. La gente habla de películas buenas, o malas, y punto.

Erre

Diego Borjas, LA REINA DE LAS REINAS, Venezuela. 2010.

2010-06-01T18:17:00.001-07:00

Educativo documental sobre el origen de la Arepa, ta cual como la conocemos hoy en día.

Documental - Mención Especial Festival de Documentales "Huellas del Pasado" - Universidad Monteávila.

Daniel.

Cassavetes

2010-05-30T19:00:00.000-07:00

"Nunca nada es tan claro como se ve en el cine.

La mayor parte del tiempo la gente no sabe lo que hace –y me incluyo–.

No saben lo que quieren o lo que sienten. Solamente en las películas se sabe bien cuáles son los problemas y cómo resolverlos (...)

El cine es una investigación sobre nuestras vidas. Sobre lo que somos. Sobre nuestras responsabilidades –si las hay–.

Sobre lo que estamos buscando.

¿Por qué querría yo hacer una película sobre algo que ya conozco y entiendo?"

John Cassavetes

erre

CURIOSIDADES: Sobre adictos a la comida y al sexo.

2010-05-30T15:39:00.000-07:00

Pocas veces ocurren cosas como estas:

Dos películas, de personajes en apariencia similares, y joyas que no llegan al recuerdo, ni a las carteleras.

EL AMOR POR LA COMIDA:

La primera "Fatso" (1980). Dirigida por la siempre (Aunque ya fallecida) grande, y como diría Pedro: "maravillosa criatura olvidada" Anne Bancroft (Aquella Ms. Robinson de "El graduado") En este caso su única película tras las cámaras, con un siempre divertido Dom Deluise (SpaceBalls, Silent Movie).

EL AMOR POR EL SEXO:

La segunda "Fatso" (2008) del realizador Noruego (desconocido, por estos lados) Arild Fröhlich.

Quien armó todo un revuelo en Europa por este film, en las fechas en que se estrenó. Una película aparentemente cargada de Sarcasmo, Hiper-Realismo, y humor mórbido.

Dos gordos, adictos, repulsivos, y tan parecidos.

Daniel.

NuevoCine

2010-05-30T13:28:00.000-07:00

Erre

Bárbaro Joel Ortiz, 20 años, 2009. Cuba.

2010-05-26T04:20:00.000-07:00

Cortometraje stopmotion Cubano, por Bárbaro Joel Ortiz.

Pedro.

Shrugs, Alina Constantin, 2009

2010-05-24T04:32:00.000-07:00

Una hermosa animación. Con esto se graduó Alina Constantin. Ajá, eso lo hace entrar en la caprichosa categoría de Student Film. Increíbles texturas, todo muy pictórico, animación muy sencilla, gestual, boceteada, desnuda. Una historia además muy poética. Recibió un premio en el festival Annecy 2010.

Pedro.

El país de Abril en previú

2010-05-23T06:29:00.000-07:00

Trabajo de grado todavía en proceso.

Erre

APUNTES SOBRE SubHysteria.

2010-05-21T10:33:00.001-07:00

FRASES DE CUADERNO.

Las claves de SubHysteria no radican en sí es una película improvisada al 80%; (El otro 20% restante recae en las pautas dadas por el director a su equipo artístico, y esto nada de improvisado tiene, he de presumir) sino en lo que muestra, en la manera en que se dan los hechos, y de cómo derivó un planteamiento técnico en una película definitiva.

Todo aquello que enmarca al filme dentro de los paradigmas conceptuales en los que fue elaborado, son simplemente el armazón de una gran estrategia de Merchandising para llevar al público sediento de entretenimiento, al cine.

El problema radica fundamentalmente en eso. SubHysteria, no es entretenimiento, tal y como lo conocemos.

A pesar de que sus autores, de alguna manera le hayan hecho creer al público Venezolano, que así es. Es por ello que se pueden escuchar comentarios de los espectadores dentro de sala, y posteriores a la proyección, que denotan inconformidad o en el peor de los casos un sentimiento de estafa. Hubiésemos ido a ver otra película, A mí que me devuelvan mi dinero. La película es tan lenta que puedo ir a Higuerote y volver. Entre otras.

Esto desata la opinión extrema de quienes visionan el material, y construye un fenómeno crítico, que deriva hacia el gusto más pasional: La odias, o la amas.

Los problemas culturales de nuestra sociedad con respecto al arte cinematográfico, no radican tampoco, en sí estamos acostumbrados a ver cine francés o no, en sí nuestros ojos carecen de la inteligencia necesaria para entender un discurso manejado con sutileza, o en sí se tiene un gusto dogmatizado por el cine de una estructura institucionalizada, véase: Hollywood.

Nada más mediocre que pensar en eso.

El ser humano es mucho más complejo en su manera de racionalizar, y de entender lo que esta viendo. Y esa complejidad de cánones que derivan en el gusto, dan el resultado final de una valoración personal acerca de lo que es bueno y es malo.

SubHysteria se maneja dentro de ciertos códigos, que rompen estructuralmente, con aquellos que los teóricos denominan “El Modo de representación institucional” un catedrático diría, que el filme tiende hacia la opacidad, y este factor construye inmediatamente un lazo en lo que es conocido como el cine de autor. Ese cine que intenta llevar los recursos narrativos, técnicos y actorales, hacia otro espacio, un lugar donde el hecho cinematográfico, tenga una libertad más propia, con los deseos del autor.

SubHysteria, no es mala, ni tampoco es buena, de la misma manera como se podría decir lo mismo acerca de Titanic.

LA FORMA DEL EXPERIMENTO:

El cine guerrilla es un compuesto derivado de la necesidad de expresar algo cinematográficamente con bajos recursos. Esto no es algo que se haya inventado ayer. La expresión para delimitar la pasión sobre la realización cinematográfica: “Para hacer una película solo necesita de una cámara” es, en mi opinión, el primer punto de todo realizador, tenga los recursos económicos o no. Por lo tanto me atrevería a decir, que el cine comenzó siendo guerrilla, pues los Lumiere solo necesitaron de su cinematógrafo para capturar las imágenes del tren, así como De Sica marcó pauta con el neorrealismo, o Von Trier canonizo un manifiesto para su cine Dogma. En general, lo que se plantea es retornar a la pureza de evento cinematográfico, el resto son extras. Y la palabra sólo es el término que se aplica al paso del tiempo, su significado no varia.

El autor se vale de esta expresión, para realizar el filme, es por lo tanto, obvio, necesario, y quizás hasta obligatorio, por la necesidad de realizar un producto bajo estás reglas, que la película, se construya en base a lo que otros consideran un error.

La fotografía:

Es una tontería afirmar que la película se ve oscura, porque no ha sido fotografiada, cuando en “Celebración” de Von Trier (1998), en gran parte de los planos que transcurren de noche, el espectador se siente perdido, pero irónicamente esto ayuda a la construcción de la historia para crear un ambiente de tensión.

En el cine, nada es gratuito, por lo tanto la fotografía de Subhysteria deja ver un manejo fotográfico, que está acorde con lo que se narra, con la evolución de los hechos, y el desarrollo de los personajes.

Esto le da a la historia una sensación amateur, de video casero, de copia encontrada, donde el espectador se debe sentir un Voyeur ante los acontecimientos.

La cámara:

La cámara en mano acentúa una necesidad orgánica que refleja la angustia de los personajes accidentalmente atrapados. Es una cámara lápiz (Rev: Caméra-Stylo. Astruc, 1948) que va dibujando continuamente las secuelas del encierro, que han sido victimas los personajes.

Está cámara en momentos logra unidad, y en otros solo distancia al espectador de la historia. Resultando de esa manera no siempre acertada, y dejando creer que los planos de la película, han sido de igual forma improvisados y no estudiados (Véase: “Sábado” de Matías Bize, 2003), esto hace que la historia se derrumbe en puntos de importancia para la revelación final de los acontecimientos, separando al espectador de una complicidad que debió haberse logrado por completo, la historia así lo permitía. Pues sí los personajes están conociéndose así mismos a medida que se desarrolla la trama, el espectador debe plantearse, junto con el personaje, el estar en una situación similar, y lograr ejercer una situación catártica que permita que el filme, funcione como es debido.

SubHysteria, no lo logra. Pero se acerca en alguna medida a ello.

Ya se han encontrado casos donde la cámara se convierte en un protagonista más, el ejemplo más cercano puede ser “Irreversible” de Gaspar Noe (2002), la construcción dramática que permite el lente en este filme juega un papel similar y análogo al de SubHysteria, crear confusión, caos, angustia y por momentos repulsión. De esta manera, contradictoriamente, poder enlazar al espectador, y crear empatía y rechazo por lo que ve.

Está situación queda a medio camino por el inconstante ritmo en el que suceden los hechos.

EL CONTENIDO.

Las situaciones extremas siempre han sido grandes justificaciones para el desarrollo de los acontecimientos en base al comportamiento humano, en el caso del encierro accidental u obligado, varias películas han tomado esta anécdota como punto de partida: El ángel exterminador (1962), El Experimento (2001), Unknown (2006), The Hole (2001), Viven (1993), entre otras.

Esto permite claramente poder jugar con las emociones de los personajes y llevarlas a su máximo esplendor donde la conducta y las consecuencias que derivan las acciones de los personajes se convierten en el protagonista de la historia. Todo personaje obtiene su recompensa o su castigo, este planteamiento es en general el Leitmotiv de cualquier historia. Y todo personaje debe sufrir un cambio para bien o para mal.

Los 16 personajes (La prostituta, la obsesiva, el predicador, el líder, El ex policía, la pareja de lesbianas, los 3 venezolanos, El matrimonio joven, el conductor del tren, El cubano, La yonqui, La artista) enmarcan la historia de este filme. Personajes estereotipados, con problemas de fácil compresión para el espectador. Estos rasgos permiten la congruente identificación de cada cual, y siendo improvisadas las acciones, el arte dramático del perfil de los personajes y su posterior comportamiento a medida que avanza la acción queda de lado, para darle paso al juego del comportamiento derivado de cada rasgo característico que hace la suma de todos los eventos.

De esta manera, el resultado resulta débil y no del todo acertado. Los actores hacen lo posible por intentar llevar el cause de la historia planteada, pero por momentos abordan la situación con cierta ligereza. ¿Vivir en la incertidumbre de vida a qué conlleva? ¿Tan rápido el ser humano es capaz de olvidar que su vida esta en juego? ¿Cuáles son las motivaciones verdaderas de cada uno de nosotros al vernos en una situación de encierro? ¿Dónde queda la ley del más apto? ¿Es el ser humano malo por naturaleza?

Son algunas de las preguntas que el filme responde y otras que deja a la deriva. Provocando en el espectador un desequilibrio discursivo, que la historia prometía aclarar, pero que deja a la libre interpretación.

Es claro, que estos personajes están condenados a fracasar en sus vidas, más claro es aún cuando el fracaso se convierte en algo tangible al quedar atrapados dentro de un vagón durante más de 40 horas, la condena se convierte en algo visible. Pero los personajes, en escasos y muy puntuales momentos, no son capaces de afrontar del todo esta situación, sus propias situaciones (El ex -policía es un ejemplo claro de cambio conductual).

Hacen dentro del vagón, lo que harían en libertad absoluta, no hay cambio en la manifestación psicológica de muchos de los personajes que resultan ser un relleno casi caricaturesco como es el caso de los 3 venezolanos, o peor aun en la salida fácil que adopta el accionar del personaje del Cubano.

Es por ello que considero que la película falla en su labor de intentar darnos un ensayo sobre la conducta del ser humano en este tipo de situaciones.

Pero donde pierde sustancia, en el juego de los personajes, la gana en momentos de reflexión, donde se nos muestra gente desconocida que no tiene más solución que intentar mantener un dialogo, sembrar la confianza, y el respeto. Y cuando la costumbre del encierro se aploma a la razón, la luz al final del túnel, se convierte en el acto más pesimista, en la lejanía, en la culpa.

Seres que no tendrán salvación, y nunca tendrán la oportunidad de tenerla, porque los vicios pueden más que cualquier razón lógica.

¿SUBHYSTERIA UNA PELÍCULA VENEZOLANA?

Ya de esto se ha hablado mucho, quizás nuestro sentimiento de patria no nos permita ir más allá. Es una película realizada en los Estados Unidos, con cuatro talentos venezolanos en la actuación -De alrededor de 20, también de nacionalidades varias-, y con un presupuesto netamente independiente, sin apoyo económico del estado Venezolano. El Director y el productor son Venezolanos, pero con más de una década fuera del país, y radicados a tiempo completo en New York. El músico Argentino, y quizás todos aquellos que están dentro de la ficha, pertenecen a una nacionalidad distinta.

SubHysteria no es una película venezolana, es una película realizada por venezolanos en el extranjero. Pero eso tampoco la convierte en una película Norteamericana. SubHysteria la planteo como una película universal, sin una nacionalidad aparente, pero con una necesidad implícita de pertenecer a quien la vea. Es una verdad que no debería sentarle mal a nadie, es un logro personal para sus realizadores que han querido compartir con nosotros, mostrarnos la experiencia e intentar expandirla dentro del territorio.

FIN DE LA HOJA.

Quizás sea un experimento, no del todo fallido. Pero eso no la hace un objeto de descalificación personal, ni debería convertirse en la victima de los fanáticos extremos.

SubHysteria es una película como cualquier otra, no es la salvación, nunca lo fue, jamás lo será, pero si tiene en su núcleo la necesidad de decir algo, de transmitir, de dejarse escuchar, y ver, presiento que no estamos abriendo bien los ojos.

Este no es el comienzo de una nueva era, por ahí no se acerca el salvador del cine nacional, no faltan diez años para que el realizador estrella haga la película que los venezolanos adopten como suya, eso no existe, no se puede esperar.

Debemos hacer, naufragar, tragar agua, levantarnos, seguir haciendo, luchar, crear, imaginar. El venezolano debe tener la suficiente capacidad de discernir sobre lo que esta viendo, de justificar, de discutir con hechos. En el momento en que dejemos de decirnos: Debí ah ver visto otra película, porque esta es muy aburrida. En ese momento, lograremos ser espectadores con nivel, y si no nos gustó, poder debatir el por qué.

Daniel Dannery.

Breves: En busca del tiempo perdido.

2010-05-01T12:31:00.001-07:00

La minuciosidad de la memoria obsesiva y enfermiza de Marcel Proust hace que tras cinco segundos de mirar la casi desconocida adaptación cinematográfica de su En Busca del Tiempo Perdido. (Raoul Ruiz, 1999) Apenas le prestas atención, con las uñas ya sacadas, comienzas primero con el desconcierto y luego a bajar la guardia, ya innecesaria, y queda uno entregado a la risa tierna ante tantos de esos clichés que se le atribuyen, casi como una leyenda urbana, al cine francés.

Pedro.

Breves: Anne Bancroft

2010-05-01T11:56:00.000-07:00

Anne Bancroft en Grandes Esperanzas (Alfonso Cuarón, 1998) es la maravillosa criatura olvidada, tan olvidada que se ha olvidado a sí misma. Y el olvido a veces puede ser esa salmuera en la que nos conservamos.

Pedro.

Soler Serrano entrevista a Néstor Almendros (1 de 6)

2010-04-30T08:24:00.000-07:00

Este man se licenció en Cuba en Letras y Filosofía, pa ese entonces se metió en el rollo de director de fotografía y realizador de películas aficionadas.

Se pira a Nueva York y estudia cine en el New York City College, se va a Roma al Centro Sperimentale di Cinematográfica.

A finales de los 50 regresa a Estados Unidos y se monta una de profesor de español, paralelamente hace montajes teatrales de estudiantes hispanos en el Middlebury College.

Al entrar los pelúos en la Habana se regresa a la isla, donde hizo algunos documentales con el Instituto Cubano de Arte en Industria Cinematográfica (ICAIC), entre ellos, Gente en la playa, (1961), y bueno seguramente no pasó mucho rato para ponerse en desacuerdo con el gobierno surgido tras la revolución, y arrancó de la isla por 1962. Fiebrúo por la Nouvelle Vague, llegó a Francia. Y bueno ahí dio rienda suelta a su brillante carrera como director de fotografía. El pequeño salvaje (1969), La historia de Adéle (1975) de Truffaut o todas las realizadas por Eric Rohmer entre 1966 y 1976: La coleccionista, Mi noche con Maud, La rodilla de Clara, etc.

Luego alternó entre Francia y Estados Unidos con películas como Días del cielo, de Terence Malick, por cierto que le dieron por esta peli una mierda de Oscar a la mejor fotografía en 1978. Y así Kramer contra Kramer (1981), Bajo sospecha (1982) y Billy Bathgate (1991), de Robert Benton. El último metro (1980), de nuevo con Truffaut, La decisión de Sophie (1982), de Alan J. Pakula, por esta lo nominaron al Oscar también, mejor fotografía; Paulina en la playa(1983), otra vez con Rohmer.

Codirigió, con Orlando Jiménez Leal, el documental Conducta impropia (1983) que revela la represión sufrida por los homosexuales bajo el régimen de Fidel Castro.

Grande!

Erre

PARTE 2:

PARTE 3:

http://www.youtube.com/watch?v=QZbMhCDix4U&feature=related

PARTE 4:

http://www.youtube.com/watch?v=NIgtAez2M5k&feature=related

PARTE 5:

http://www.youtube.com/watch?v=_BR79rNG-14&feature=related

PARTE 6:

http://www.youtube.com/watch?v=GxcdUm-MaN4&feature=related

Patrick Boivin Le Queloune, 2008, Canadá.

2010-04-27T14:13:00.000-07:00

Patrick Boivin es un canadiense, que le gusta crear cosas audiovisuales, experto en el stop-motion, lo cual le ha valido reconocimiento en la web, ganando varios premios en Youtube, por tener los vídeos más vistos, ademas ha sido ganador de varios premios internacionales por sus trabajos.

Boivin suele estar involucrado en gran parte de los procesos técnicos de sus películas como es el caso de la iluminación, edición, animación, efectos especiales e incluso la música.

En el caso de "El Payaso", Boivin toma el Subgénero de Zombies para continuar experimentando, rehaciendo las reglas, renovando de alguna manera el genero "Clase B", y retomando el humor característico de este tipo de cine, de una manera que no se veía desde los 80.

Puedes visitar su canal en Youtube y disfrutar de su amplio trabajo en Stop-Motion, no tiene perdida: http://www.youtube.com/user/PatrickBoivin

Daniel.

MENEO: Papi y el MICROTÓN Electro-Tropical-Reggeatón.

2010-04-21T19:29:00.000-07:00

Ese tipo es Rigo Pex (Roberto Pérez Samayoa) Guatemalteco de nacimiento, y líder y fundador junto con el español Raúl vj Entter (Raúl Berrueco) del grupo Electrónico MENEO.

¿Qué hacen? Pues crean música con Gameboys con un software creado específicamente para crear las canciones.

¿Por qué? Porque les da la gana, además que acostumbran a desnudarse en el escenario cuando están en pleno concierto.

Este tipo adora el Reggeaetón, y por ello en sus canciones mezcla lo que el mismo llama como género, un sonido ElectroTropical, aunque realmente lo que hacen es música denominada MICROTÓN.

¿Qué? Yo tampoco lo entiendo. Pero como este blog esta diseñado es para mostrar cualquier material audiovisual que se nos cruce en el camino, me he topado con un vídeo dirigido por este mismo nudista Guatelmalteco-Español, para su canción "Papi".

Luego de escucharla, reírme, y disfrutarla, logre entender a medias, sobre que va todo eso que profesan: "Los sonidos sincopados de los tambores te prenden el cuerpo, pero las guitarras y los sintes te prenden el cerebro(...)".

El vídeo tiene un aire a "Move Your Feet" de Junior Senior, aunque como ya sabrán, no suena igual.

Pero en lo particular este vídeo me parece muy simpático, guarro, y provocativo.

Daniel.

Martin Scorsese. WHAT´S A NICE GIRL LIKE YOU DOING IN A PLACE THIS?, 1963, Usa.

2010-04-21T10:10:00.000-07:00

Uno de los primeros cortometrajes (Sino el primero) del afamado cineasta, cuando aún era un estudiante de la New York University's Tisch School of the Arts. Tenía 21 años.

¿Será real eso que dicen de los estudiantes de cine que viven obsesionados con historias de escritores?

Daniel.

Daniel Dannery. GRACIAS, 2007, Venezuela.

2010-04-20T20:17:00.000-07:00

Gracias. from Daniel Dannery on Vimeo.

Este corto lo hice hace 3 años. El guión lo escribí en una tarde apurado basándome en la experiencia de un amigo. Todo fue realmente despreocupado y efímero. Se grabó en dos mañanas, porque ninguno de los 3 (Los actores y yo, los únicos en locación, vale acotar) teníamos tiempo en esas fechas. Gran parte de las acciones de los personajes fueron improvisadas en el camino, al igual que la concepción de los planos (Je, je). La verdad es que el pobre sufre de pobreza, pero fue un ejercicio interesante.

Daniel.

Joshua Weigel. THE BUTTERFLY CIRCUS, 2009, Australia.

2010-04-20T19:26:00.000-07:00

Parte 1:

Parte 2:

Cortometraje ganador del primer premio de la segunda edición de "The Doorpost Film Project", festival que pretende promover los valores de la esperanza y la unidad humana.

Este cortometraje tiene como elemento curioso la inclusión del joven australiano Nick Vujicic, como protagonista, quien preside la asociación “Life without limbs” quien se dedica a promover la superación personal.

Más allá de todo este discurso cristiano que hay de por medio. No cabe duda de que el Film está muy bien hecho.

Más información sobre The Doorpost Film Project en: http://www.thedoorpost.com/

Gaspar Noé: Si aburres al espectador al comienzo de una película, estás frito.

2010-04-20T08:12:00.000-07:00

En la pasada edición del festival de Sitges 2009, Noé se encontraba presentando su última película "Enter the void". Más que hablar de la película en cuestión, dió sus reflexiones sobre el arte de hacer cine, el modo de perturbar al espectador, y de cómo el mismo cine lo ha perturbado a él.

Imperdible:

Parte 1:

Parte 2:

Daniel.

Jan Svankmajer. OSCURIDAD, LUZ, OSCURIDAD, 1989, Checoslovaquia.

2010-04-20T07:33:00.000-07:00

Contemporáneo con Ray Harryhausen, Jan Svankmajer nació en Praga en 1934, no fue sino en la década de los 60 donde este poeta, escultor y diseñador comenzó a hacer cine cultivando una gran cantidad de cortometrajes, uno mejor que el otro.

Este animador emplea la técnica del stop-motion, para dejarnos ver su visión surrealista del mundo. En muchos casos de discursos siniestros e intelectualmente góticos.

Svankmajer, hizo su primer largometraje "Neco Z Alenky" (Algo sobre Alicia) en el 89, su particular versión del cuento de Carrol sobre "Alicia en el País de las maravillas", dotando a la historia de un discurso mucho más perturbador sobre el paso de la niñez a la adultez, dentro de un mundo, desordenado, sucio y oscuro. Todo lo contrario a la versión "Todo Público" de Burton.

Aquí dejo en trailer de "Alice":

Aquí la página del realizador: http://www.jansvankmajer.com/

Y algo más por no dejar. :)

Daniel.

David Cronenberg. STEREO. 1969, Canadá.

2010-04-20T07:25:00.000-07:00

"Primer" Largometraje del realizador.

"Con ‘Stereo’ (1969), David Cronenberg nos introduce en un gélido recinto donde se experimenta con las mentes de un grupo reducido de individuos. Dice el director que el título se refiere al modo en el que los telépatas perciben el mundo, en oposición a cómo lo hacen las personales normales; quizá se le olvidó añadir que sólo los telépatas podrán disfrutar de este producto audiovisual, que fue posible gracias a la ayuda económica de un organismo público (el Canada Council, que pensaba que estaba financiando una novela), un hecho que volverá a repetirse más adelante. Por mi parte, desde ahora, si alguien me pregunta si he escalado una montaña de tres mil metros, le responderé: “No, pero he visto Stereo; dos veces”."

José Luis Caviaro Para: http://www.blogdecine.com/criticas/david-cronenberg-stereo-telepatia-y-sexualidad

Daniel.

Jorge Furtado. LA ISLA DE LAS FLORES, 1989, Brasil.

2010-04-20T07:14:00.000-07:00

"Parodia del diccionario, del documental didáctico - en el cual las imágenes sólo ilustran la narración -, del grueso de los reportajes en la televisión. Pero, en el fondo, parodia de la matriz de estos discursos: la ciencia positivista. (...) En la imagen final, el ser humano aparece como ese ser único, mucho más allá de cualquier definición. (...) En la situación de mayor degradación, por una escritura compuesta de foco, luz y velocidad, el registro cinematográfico sugiere la transcendencia del tiempo de la existencia. Ser entre entes es en el hombre y en su libertad esencial donde habita, aunque masacrado, el único sentido. El parodiador se revela como un humanista." (Leandro Rocha Saraiva, em "Cine documental en América Latina", Paulo Paranaguá (org.), Ediciones Cátedra, Madrid, 2003)

Daniel.

Enrique Colina. ESTÉTICA. 1984. Cuba.

2010-04-20T07:05:00.000-07:00

Director de documentales y crítico de cine. Comenzó a trabajar como Crítico de Cine en 1968.

Daniel.

Javier Farias Briceño. VUELTAS, 2009, Venezuela.

2010-04-20T07:03:00.000-07:00

Por este filme Michell Rivas ganó los premios a la mejor fotografía y a la mejor cámara en el Festival del Cortometraje Nacional Manuel Trujillo Durán 2010 (Maracaibo).

Visita la página para más información: http://vueltas.tumblr.com/

Daniel.

Abbas Kiarostami "Nema-ye nazdik" (Close-up) (1990) parte I

2010-04-16T11:58:00.000-07:00

De entrada -al menos esta es la versión oficial-, debemos tener en cuenta que esta película es fruto del azar. Nada menos que un día antes de comenzar a rodar un proyecto llamado “Dinero de bolsillo”, Kiarostami resultó cautivado por la lectura de un artículo sobre un individuo (Sabzian) que se introdujo en una familia burguesa suplantando la personalidad del director de cine iraní Mohsen Makhmalbaf (El ciclista, Gabbeh, Kandahar).

Más info del rollo en este link:

http://misteriosoobjetoalmediodia.wordpress.com/2008/02/13/close-up-abbas-kiarostami-1990/

erre

"Suenos" Corto de Adan Jezierski

2010-04-16T11:52:00.000-07:00

Erre

Po Chan, THE LAST 3 MINUTES, 2010, USA.

2010-04-15T06:35:00.000-07:00

"The Last 3 Minutes" From Shane Hurlbut, ASC from Shane Hurlbut, ASC on Vimeo.

Mucho ya se sabe, y creo que queda poco por decir, acerca de las bondades de una cámara, como lo es la Canon 5D MKII (Humildemente con la que he grabado mi cortometraje "Femenino"), en esta oportunidad lo que me trae a hablar de ella, es este particular cortometraje, que si bien no es una maravilla, nos habla acerca de cómo pierden el tiempo (En buena manera) los creativos técnicos en Hollywood.

"The last 3 minutes" esta dirigido por Po Chan quien trabajó como asistente de Cámara del director de fotografía Shane Hurlbut, en la última entrega de "Terminator Salvation", este cortometraje está hecho entre amigos, Shane Hurlbut pone su cargo a la orden en esta historia no sólo como el Director de Fotografía, sino como Productor Ejecutivo.

Más que hablar de la calidad de la historia, o de sus endebles actuaciones, estamos ante una muestra de que posiblemente, ya el cine haya cambiado del todo en su concepción técnica (Me refiero por supuesto a la decisión de dejar de lado el 35mm). Si bien ya cámaras como la REDone han empezado a hacer de las suyas (Distric 9, El secreto de sus ojos, Anticrist, The informant!), la Canon 5D se ofrece en el mercado a más bajos costos, y podría llegar a convertirse en el eje de una nueva revolución digital.

No nos sorprenda que Michael Mann grabe su próxima película, con este milagroso aparato.

Daniel.

Bassam Kurdali, ELEPHANTS DREAM, 2006, Holanda.

2010-04-14T11:04:00.000-07:00

Fantástico, alucinante, y surrealista cortometraje que desborda creatividad, talento y algo menos que poco dinero. ¿Cómo? Este cortometraje ha sido elaborado por completo utilizando software libre de creación 3D (Entre los cuales el que cobra mayor importancia ha sido el 3DBlender, cuyo presidente de la compañía Ton Roosendaal ha participado como productor).

Esto a permitido por completo que la distribución, proyección, copias, visionados, etc, cobren su uso comercial con el único principio de reconocer a los creadores del proyecto. Lo que le permite a sus creadores, si bien no "recuperar" el dinero invertido, si dar a conocer la muestra de su trabajo, por supuesto, el merchadising queda a la orden de quién quiera obtener el Pack completo de la película en DVD con una serie de material extra, pero si sólo te quieres quedar con el corto, tienes la posibilidad de visitar su página web y descargarlo sin ningún problema: http://orange.blender.org/

Dada esta ingeniosa propuesta de mercadeo el cortometraje se ha convertido en el primer film animado Open Movie, que se basa en la filosofía del conocimiento libre, permitiendo de esta manera que el material cobre un sentido totalmente cultural que pueda llegar a cualquier colectividad con el fin de un desarrollo igualitario.

Un comunicado de prensa de fecha 18 de Mayo de 2006, dice lo siguiente:

"(Blender Foundation, Amsterdam, the Netherlands) – El cortometraje animado en 3D Elephants Dream se se ofrecerá hoy como descarga pública y libre. Ésta es la etapa final de un proyecto de Película Abierta completado satisfactoriamente que ha sido financiado por la comunidad, que se ha realizado utilizando herramientas de código abierto, y que abre esta película así como toda la base de datos del estudio para quien quiera volver a usarla y aprender de lo realizado. La película y los archivos de producción tienen licencia de “Creative Commons Attribution 2.5”, que sólo requiere la acreditación oportuna para ser proyectada en público, para su reutilización y para su distribución.

Elephants Dream es la culminación del proyecto Orange Open Movie, producido por la Blender Foundation y el Netherlands Media Arts Institute. El proyecto fue concebido para contribuir al desarrollo y establecer las capacidades de las herramientas 3D de código abierto que ofrece Blender para la creación de cine de animación con calidad."

Es indudable que las estrategias de mercadeo para una película, están tomando caminos alejados de la industria tal cual la conocemos. La idea del millón de dólares puede estar a tu alrededor, sólo debes saber identificarla.

Daniel.

Vladimir Vera, CANCIÓN DE CUNA, España, 2009

2010-04-13T12:30:00.000-07:00

Vladimir Vera (Caracas, Venezuela, 1978). Director teatral, crítico y escritor. Fundador del grupo Teatro Forte (Crónicas Palahniuk, 2010). Lic en Derecho (UCAB.)

Ha dirigido los cortometrajes Bacantes, Fedora Freites

y Crónicas 160709.*

"Canción de cuna" formó parte de la Selección Oficial Viart y el Festival de Cortos de Caracas, Chorts 2009, estando nominado a mejor cortometraje.
Daniel.

* Al clickear sobre cada uno de los nombres de los cortometrajes, podrás visualizarlos desde el canal de Youtube del director.

Los pollitos no dicen nada. 2010.

2010-04-13T08:21:00.000-07:00

Los pollitos no dicen nada from Rober Calzadilla on Vimeo.

ERRE.

Claves para la escritura de un buen guión.

2010-04-07T20:48:00.000-07:00

Claves Para La Escritura De Un Buen Guion

View more documents from Daniel Dannery.

Interesante manual escrito por uno de los pocos teóricos Venezolanos que se han dado a la tarea de hacer investigación sobre la escritura de guiones, el escritor, guionista y analista dramático Frank Báiz Quevedo.

Recomiendo además visitar su página, donde encontrarán material detallado, de gran utilidad para aquellos que comienzan en la ardua labor que representa escribir un guión.

http://www.lapaginadelguion.org/

y su blog: http://frankbaiz.blogspot.com

Xavier Chassaing. SCINTILLATION, usa, 2009

2010-04-05T19:41:00.000-07:00

SCINTILLATION from Xavier Chassaing on Vimeo.

El siguiente cortometraje, sigue una linea puramente experimental, lo curioso de este trabajo, radica en la técnica utilizada para realizarlo, Chassaing comenta: "This is an experimental film made up of over 35,000 photographs. It combines an innovative mix of stop motion and live projection mapping techniques."

Lo que quiere decir que básicamente fue hecho cuadro a cuadro (De ahí el porque de las 35mil fotos) y en cada una de ellas se usaron técnicas de proyección, imaginen un vídeo beam, proyectando sobre lo que se piensa fotografiar, para luego usar una serie de software de edición, para obtener el resultado final que es una especie de videoarte muy al estilo Avant-Garde que los realizadores experimentales de los años 30 como Man Ray, producian logrando conseguir efectos igual de interesantes con solo filmar con la película al revés.

¿Estaremos hablando de la muerte del 35mm? Posiblemente.

Daniel.

Sergio Marcano. NIRVANA, Venezuela, 1996.

2010-04-05T19:07:00.000-07:00

FORMATO: 16 m.m.

Curioso primer cortometraje del Cineasta Sergio Marcano (Artes UCV, Edición EICTV).

Realizado en el año 96´en compañía de ya varios congratulados en el medio hoy en día en nuestro país, como lo son el cineasta Rafael Marziano (Swing con son, 2009) y el Dir. de fotografía Juan Carlos Castillo (Dir. fotografía: Los barcos de la esperanza (J. Jakubowicz) 2000). Y Vicente Forte quien junto a su hermana acaban de realizar el Film Guerrilla ganador del concurso Plomo! 2008 titulado Bloodbath Test, (2010).

Comenta Marcano en su Blog: "Yo recuerdo que cuando comencé a hacer Nirvana -mi primer corto- que era en 16 mm, era un problema ahorrar para comprar las latas de 16, pues todas las semanas el dólar subía de precio y las latas también, y sucedía lo mismo cuando finalmente lograba filmar y llevaba las latas al laboratorio, era una carrera permanente contra la devaluación del bolívar pagar el revelado, la copia de trabajo, la corrección de color, la copia final, todo alejándose sistemática e irremediablemente de mis posibilidades económicas del momento."

Cualquier parecido con la actual realidad, no es pura coincidencia. Y eso que han pasado ya 14 años de eso.

Daniel.

TERMINATOR II (y los ídolos de barro)

2010-04-05T09:40:00.000-07:00

Somos parte del público, somos parte del problema.

¿Quién es el héroe de Terminator II? Sarah Connor? Terminator? Terminator viene del futuro programado para proteger a John Connor, sin importar más nada, a qué o quién hay que llevarse por delante. Mata gente en el camino. John es un malandrín, adoptado por idiotas (una especie de Luke Skywalker más noventoso.) Sarah, intensa, amargada, obsesionada, desesperanzada, pero preparada. Terminator sólo quiere proteger a John. Pero John, al darse cuenta que su madre nunca le mintió, ni estaba loca, decide ir por ella y eso es lo que pone en marcha el viaje y la aventura. John se expone innecesariamente y va más allá de su destino escrito (NO FATE, tallará luego Sarah con un cuchillo en la mesa.) Lo mismo hace Sarah al decidir hacer su parte en pro del futuro: destruir a Miles Dyson y a Cyberdine, gérmenes de Skynet. John muestra de qué está hecho al defender ante todo la vida humana. Terminator II es la serie de eventos que forjan al futuro líder de la humanidad. A su corta edad John entiende el destino trágico de la humanidad (la violencia implícita en el juego de dos niñitos) mientras descubre el lado humano de la máquina, Terminator. La máquina no tiene otra naturaleza sino la de quien la usa y cómo la usa. No puede ser dejada a la deriva, a merced de su propia existencia amoral. John Connor obliga a Terminator a respetar la vida humana, dándole a esta historia su carácter definitivo. Por supuesto que Terminator es una máquina de segunda. Sólo este cyborg primitivo puede aún subyugarse a lo humano. (Otra reflexión sobre los límites del progreso tecnológico y sus consecuencias. Pura y trascendente ciencia-ficción.) ¿Es acaso lo correcto? Debemos creer que sí. No es lo único en esta película que depende de la fe. El proceso de “humanización” de Terminator es inverosímil pero hermoso y poético: queremos y necesitamos creérnoslo. Disimuladamente nos dejamos (o no) encantar. Classic Hollywood: Terminator sonríe, malandrea, se disculpa, y hasta llega a envidiar la vulnerabilidad humana (“Ahora entiendo por qué lloran, pero es algo que jamás podré hacer.”) Sarah, por otro lado, ensimismada por una misión mucho más grande que ella, ha perdido su humanidad. Sacrifica sus sentimientos, su instinto maternal, ante la consciencia de hallarse en una guerra silenciosa e invisible, cuyo resultado, además, ya se decidió en el futuro (“todos ustedes ya están muertos.”) Casi se convierte ella misma en un exterminador. John rescata a Sarah de esta suerte. John está destinado a ser el salvador de la humanidad como ideal y no sólo en el sentido estrictamente físico, la supervivencia de la especie. John, como un moderno Jesucristo. El padre de John, en la primera parte, viene a anunciarle a María (quiero decir, Sarah) que está esperando un niño que será el salvador de la humanidad. En ángel anuncia y siembra la semilla. Pero Herodes también ha escuchado la noticia y también quiere tomar al destino por las greñas. La matanza de los inocentes en este caso corresponde a una lista de nombres en la guía telefónica: Sarah Connor, Sarah Connor, Sarah Connor. John Connor envía a su propio padre a fecundar a su madre en el pasado. Todo está escrito pero hay que llevarlo a cabo ritual y cíclicamente. John es Padre, Hijo, Espíritu Santo.

Pocas veces se rompe la regla “las segundas partes nunca son buenas.” Terminator II es una de las contundentes excepciones. En su complejidad de argumento y personajes casi reduce a la primera parte a mera introducción. Introducción que se agradece, pero en la que verdaderamente, señores, aún no han visto nada.

No mucho se puede decir, en cambio, de las entregas posteriores. Terminator muere en el capítulo II y James Cameron se mueve como un zombie en los espeluznantes territorios de Titanic y Avatar.

Paz a sus restos.

Pedro.

Raoul Ruiz. LAS SOLEDADES, 1992, Francia.

2010-04-04T21:57:00.000-07:00

Erre

Bresson (on Cinema)

2010-04-04T21:44:00.000-07:00

Erre

Alejandro Jodorowsky. LA CRAVATA, Francia, 1957.

2010-03-27T13:29:00.000-07:00

Director de cine y teatro, escritor, guionista, dramaturgo, cómico, mimo, poeta, apasionado del tarot esotérico, creador de una cosa llamada la psicomagía, y fundador en sus años mozos, junto con Arrabal, del llamado Teatro Pánico.

Jodorowsky es para muchos hoy en día lo que suelen llamar un Director de culto, transgresor, peleado con la industria, a veces incomprendido y con un trabajo de por medio que suele ser del agrado de muchos en cuanto a estética se refiere, manejando nociones básicas del surrealismo, con una mezcla espiritual que ayude a ensalzar el alma. "Es cine para pensar", comenta Jodorowsky en una entrevista, pero también aclara, que no es cine inteligente.

En este caso su "Primer cortometraje" (Dado por perdido, hasta que fue encontrado en 2006 en un galpón alemán) no escapa de esta visión.

"La Cravata" (La Corbata) o también llamado "Les Têtes Interverties" (Las cabezas invertidas) toma su argumento basado en un relato del escritor Thomas Mann, titulado: "Las Cabezas Trocadas" sobre la búsqueda de dos jóvenes, por el amor de una chica, que por medio de la intervención de una divinidad Hindú cambian sus cabezas, para de esa manera cumplir con el gusto de la amada que busca en ellos la complementación del espíritu y la carne.

La versión de Jodorowsky, toma la anécdota del relato para manejar un discurso algo distinto, pero no alejado del todo del planteamiento inicial "No eres un cuerpo con alma, sino un alma con cuerpo" A. Jodorowsky.

Para ello se presenta una puesta claramente teatral que intenta dar un artificio, más que buscar naturalidad. (Pues en qué película de este señor se nos presenta una búsqueda realista de las cosas). Justamente esa búsqueda artificiosa tanto de la historia como de la puesta en escena, de las actuaciones, de la música, y de los decorados, crean una simbiosis que logra su cometido a la hora de hacernos "pensar".

Es importante aclarar que el surrealismo manejado por Jodorowsky, no es el mismo que en su época proclamaron Lorca, Duchamp, Dalí o Buñuel, las historias de A.J. no platean situaciones oníricas que buscan la interpretación simbólica de las cosas, aunque se pueden encontrar. En el caso de "La Cravata", se nos presenta más bien un cine experimental, que adopta una postura existencialista y un tanto maniquea.

Daniel.

The Dark Side of Porn

2010-03-27T12:00:00.000-07:00

Aquí el documental completo en streaming sobre las películas snuff.

El mito, la cacería, el oscuro santo grial del porno.

Si el vídeo no carga Click sobre la reseña:

Investigates the existence of real snuff movies, films in which deaths are not simulated but real, and whether they are just an urban myth or do exist. Directors and producers talk about how they created horrfic scenes using mock-ups, effects, and real accident footage.

Pedro.

Robert Bresson: Notas Sobre El Cinematógrafo

2010-03-27T11:09:00.001-07:00

"Ni realizador, ni cineasta. Olvida que estás haciendo una película”. Frases tan rotundas como ésta son las que circulan por este libro-aforismo que estampa como puños lemas sobre el oficio cinematográfico, el interpretativo, la pintura y la fotografía y su relación con el cine, o sobre la novela y el teatro." Gabriel OchoaRobert Bresson: Notas Sobre El Cinematógrafo

Rober.

William Kentridge n.1955, Johannesburgo, Sudáfrica.

2010-03-27T10:34:00.000-07:00

Afortunado ejemplo de lo que David Lynch llama "moving picture", recordatorio del principio fundamental que nos permite tener cine, el trabajo de William Kentridge logra introducir efectivamente una narrativa, aunque sutil y difícil, en este tipo de manifestaciones, partiendo de la profunda experiencia y conocimiento de la historia y situación política sudafricana pero además sin desligarla de los estados psicológicos que se suscitan en evidente retroalimentación.
A lo largo de su carrera, Kentridge da pasos hacia atrás y hacia adelante en la naturaleza del discurso cinematográfico y el plástico, evidenciado en la manera en que decide mostrar su obra al público. Comenzó proyectando sus cortometrajes animados de manera tradicional, en una sala de proyecciones, frontalmente. Luego comenzó a mostrar en paralelo a la proyección los cuadros terminados de la película, como obra de arte definitiva en sí misma. Actualmente realiza proyecciones simultáneas en las cuatro paredes de una sala.

Pedro.